previously on thunder
<On the Wave 파도 위에서>
문요
파도를 기다리는 동안, 물 속에 손을 담그고 가만히 있는 시간을 좋아한다. 먼 바다에서 물결이 시작되면 손에 닿는 밀도가 달라진다. 묵직하고 시원한 물 덩어리가 손바닥을 밀어내며 틈새로 빠져나간다. 그러면 직감한다. 파도가 오고 있구나. 약속이나 한 듯 수평선 위로 길고 선명한 줄이 다가온다. 태평양의 뜨거운 햇볕을 받으며 수천 킬로미터를 여행하던 파도가, 양양 바다에 떠 있던 작은 인간에게 도착한 것이다.
가끔은 파도가 너무 커서 겁이 나 도망치고, 때로는 눈앞까지 다가온 기회를 허무하게 흘려보내기도 한다. 하지만 언젠가는 나에게 꼭 맞는 높이와 세기의 파도가 찾아온다. 황급히 몸을 돌려 해변을 향해 팔을 젓고, 밀려오는 힘이 보드를 들어올릴 때 본능적으로 일어난다. 그리고 파도와 함께 앞으로 나아간다. 날이 선 물살이 부서져 하얀 포말이 되기까지.
한바탕 신나게 파도를 타고 나면 어느새 나는 어린아이로 돌아간다. 해 질 무렵 놀이터에서 그네를 타며 구슬땀을 흘리던 그 시절의 나로. 내가 누구였는지, 무슨 고민을 했는지, 아무것도 생각나지 않는 순간이 온다.
이 경험은 내가 그림을 그리고 이야기를 지을 때 가장 밑바탕이 되는 감각이다. 자연과의 교감, 기다림의 시간, 본능적인 움직임, 그리고 순간의 몰입. 이 모든 것들을 바다에게서 배우고 있다.
캠핑 또한 그런 연장선이었다. 평창의 첩첩산중 목장에서 비에 젖은 숲을 바라보며 아득함을 느낄 때, 새벽녘 귀가 터질 정도로 지저귀는 새 소리에 눈을 뜰 때, 친구들과 맛있는 음식을 만들고 모닥불 앞에서 술잔을 기울일 때. 도시에서는 쉽게 경험할 수 없는 장면들이 마음속에 차곡차곡 쌓인다.
이 전시는 내가 자연 속에서 경험한 자유로움과 따뜻한 유대의 시간을 담은 기록이다. 동물적 본능이 깨어나 거침없이 물살을 가르는 서퍼들, 거센 파도에 휘말려도 훌훌 털고 다시 도전하는 용기, 바다와 숲에서 좋아하는 사람들과 함께한 순간들, 그리고 피식 웃음이 새어 나오는 유쾌한 감정들을 그려보았다.
파도를 그리는 일은 단순한 재현이 아니다. 매 순간 달라지는 물결의 형태와 질감은 고정되지 않는다. 그래서 나는 파도를 감정처럼 표현하고자 했다. 묵직하고, 반짝이며, 때로는 흐릿하게 다가오는 마음처럼. 자료를 모으고 스케치를 한 뒤, 도자기와 캔버스 위에 색을 쌓아가며 바다의 리듬을 화면에 옮겼다.
이 전시를 통해, 바쁜 도시의 속도에 지친 사람들이 잠시 숨을 돌렸으면 좋겠다. 문득 바다나 숲이 그리워지고, 주말의 햇살이 기다려지는 기분이 들었으면 한다.
문요 Moonyo Lee @moonyo.book
카이스트에서 산업디자인을 공부하면서 학사와 석사 과정을 마쳤고, 기업에서 디자이너로 일했다. 어릴 적부터 좋아하던 그림을 잘 그리고 싶어 SI그림책학교에서 그림과 스토리텔링을 배웠다. 지금은 개인 작업을 하며 XR(확장현실) 프로젝트도 진행하고 있다. 조금은 허술하고 자유로운, 감정이 살아있는 그림을 그리고 싶다.
-2020 볼로냐 국제아동 도서전 올해의 일러스트레이터
-2020 상하이 국제아동 도서전 Golden Pinwheel Competition,
Finalist
-2023 볼로냐 국제아동 도서전 Italian Excellence: Illustrations for Italo Calvino, Winner
-2024 파리 New Images Festival, XR Development Market Selected
-2025 파리 New Images Festival, XR Distribution Market Selected
On the Wave 파도 위에서
moonyolee.com
소연과 준우, 준우와 소연 두 사람의 성장을 담은 이 전시는편의를 위해 만들어진 기존 결혼식의 틀을 깨고 새로운 결혼식의 형태를 만든다.
둘의 성장과 일상을 함께 해온 이들은 그때 그 시절의 추억과둘의 이야기를 간접적으로 경험할 수 있을 것이며 처음 전시를 접한 이들에게는 새로운 형태의 결혼식에 대한 체험을 제공한다.
이 성장 이야기는 두 사람의 이야기가 될 수도 있고 누군가의 이야기가 될 수도 있다.한 사람이 성장하여 가족을 이루기까지의 여정에 얼마나 많은 이야기가 존재할까.
This exhibition, which traces the growth of Soyeon and Junwoo—Junwoo and Soyeon—breaks away from the traditional framework of a conventional wedding, creating a new form of celebration.
For those who have shared in their everyday lives and growth, it offers a chance to revisit memories and experience their story indirectly. For first-time visitors, it presents a new way of encountering what a wedding can be.
This story of growth could belong to the two of them—or to anyone. How many stories must there be in the journey of a person growing and eventually forming a family?
<LE CAT MEETS BUKCHON>
필립 그뤽
르깟을 다시 한국에서 선보일 수 있어 매우 기대됩니다. 이번 전시는 서울 북촌의 중심, 공간썬더에서 여러분을 찾아갑니다.
1983년 벨기에 일간지《르 수아르》에서 처음 등장한 이 통통한 고양이는 40년 동안 24권의 베스트셀러 책(1,500 만 부 판매)과 15 종류의 다른 언어로 번역되었으며, 전 세계 독자에게 사랑받아 왔습니다. 특히 3년 전부터는 한국어판도 출간되어, 르깟 특유의 재치 있고 철학적인 유머가 국경을 넘어 이렇게 쉽게 전해진다는 사실이 작가로서도 놀랍고 즐겁습니다. 1991년부터는 회화와 브론즈 조각으로도 확장되었고, 2021년 파리 샹젤리제에서 시작된 야외 전시 《Le Cat Walks》는 보르도, 캉, 몽트뢰, 모나코, 제네바, 브뤼셀을 순회하며 수백만 관람객을 맞았습니다.
서울 전시는 특히 뜻깊습니다. 판화와 더불어 르깟의 유쾌함을 담은 오브제까지 국내 최초로 공개되며, 2027년 브뤼셀 개관 예정인 《Le Cat and Cartoon Museum》으로 가는 여정의 중요한 이정표이기 때문입니다. 아직 한국을 직접 방문하진 못했지만, 브뤼셀 작업실을 찾은 한국 관람객들 덕분에 한국에 대한 기대가 큽니다. 르깟이 여러분께 작은 웃음과 소박한 꿈을 선물하길 바랍니다.
필립 그뤽
주최 재주스튜디오 I 꽃피는 몸 프로젝트
협력 주한벨기에 대사관
<LE CAT MEETS BUKCHON>
Philippe Geluck
It is a great joy to bring Le Cat back to Korea—this time to Space Thunder in the heart of Bukchon, Seoul.
I first drew this curious, chubby feline for the Belgian daily Le Soir in 1983. Forty years, 24 bestselling albums (15 million copies sold), and 15 languages later—including Korean since three years ago—I’m still delighted, and a little amused, that his quirky, philosophical humor crosses cultures so easily. In 1991 I began painting and sculpting Le Cat, and a career highlight was ‘Le Cat Walks’, the monumental outdoor show on the Champs-Élysées in 2021 that later toured Bordeaux, Caen, Montreux, Monaco, Geneva, and Brussels, welcoming millions of visitors.
This Seoul exhibition is special: alongside fine-art prints it unveils playful Le Cat objets—small pieces of quirkiness and poetry—and looks ahead to the opening of the ‘Le Cat and Cartoon Museum’ in Brussels in 2027. Although I have yet to set foot in Korea, the Korean visitors I’ve welcomed to my Brussels studio have left a vivid, warm impression, and I look forward to discovering your country soon. I hope my Cat makes you laugh, think, and dream—just a little.
Philippe Geluck
Host JEJOO Studio I Blooming Body Project
Cooperation Embassy of Belgium in South Korea
꽃, 헤테로토피아
이석준 개인전
꽃의 기의와 기표:
이석준의 버려진 화훼단지 사진들
이라크의 쿠르디스탄 지역에서 발견된 네안데르탈인 시신의 복원 모형 앞에는 꽃과 약초 씨앗들이 놓여있다. 8~6만 년 전 생존한 것으로 추정되는 시신의 모형은 네안데르탈인이 비록 고도의 상징적 지능을 갖지 못했고 천국이나 내세까지 생각하지 못했더라도, ‘죽는다는 것’의 의미를 이해하고 타인의 죽음에 어떤 감정을 표현했음을 짐작케 한다. 죽음 앞에 헌화하는 행위는 숭고함과 슬픔 이전에 자연스러운 본능의 발로처럼 여겨진다.
우리말 '꽃'은 글자 모양도 꽃을 닮았다. 기호의 뜻 부분, 즉 가리키는 것의 의미를 담은 기의(記意, signifié)와 그것의 표기 부분인 기표(記, signi- fiant)를 분리해 사고하기도 하지만, 우리 말 '꽃'이란 글자는 그 기표조차 가리키는 대상을 닮은 것처럼 보인다. 꽃이 지닌 기의는 거기서 더 만발해져 다양한 상징들로 피어난다. 고백하는 마음을 숨기기도 하고 감사나 축하의 뜻을 표현하기도 하며, 무엇보다 죽음과 애도를 대신한다. 꽃만큼 많은 일을 암시하거나 수행하는 사물이 세상에 또 있을까 싶다. 망자 앞에 놓인 꽃은, 추하고 냄새나는 것이 죽음이기에 그것을 화사함과 향기로 감추겠다는 저의로도 읽힌다. 그러나 꽃 역시 죽음을 맞는다.
줄기와 꽃대궁을 떠난 꽃의 생명은 망자에 대한 슬픔의 감정보다도 오래 지속되지 않는다. 명복과 영생을 기원하는 자리에 쉽게 시드는 꽃은 어쩐지 적절하지 않아 보인다. 그래서 사피엔스들은 조화(造花)를 만들어낸 것 일까. 그러나 조화는 처음부터 생명을 부여받지 못한 죽은 꽃이다.
여기에 역설이 있다. 한겨울 눈밭 위의 꽃을 발견하고 그것이 곧 조화였음을 알게 된 사진가 이석준은 조화만 여기저기 흩어진 폐허가 된 화훼단지에 관심을 갖게 되었다. 장례식장과 묘택을 꾸며주는 조화를 만들던 공간도 재개발을 앞두고 죽거나 죽어가는 공간으로 변모해 있었다. 도시 확장으로 공동화가 이루어진 폐허를 기억하고 애도하듯 거기 조화들만 버려져 있었다. 삶과 죽음의 역설이 묘하게 섞여 있는 공간. 생화보다 더 생생하던 조화 화환들이 가득했던 좋았던 시절이 거기 있었을 터다. 우리 곁에 아직 살아있는 것만 같은 망자들이 그러하듯, 현전(現前 )하는 것도 아니고 그렇다고 부재하지도 않는 무엇이 이 공간에 감지된다. 누구나 보고 있지만 아무나 볼 수 없는 것, 보이지 않지만 거기 존재하는 듯한 어떤 것을 카메라에 담는 것은 쉬운 일이 아닌데 어떤 사진가들은 그런 일을 한다.
과천과 용인 등지의 버려진 화훼단지를 이석준은 ‘증발의 공간(space of evaporation)'이라 명명했다. 프랑스의 철학자 미셸 푸코는 이런 공간에 ‘ 헤테로토피아(hétérotopie)'라는 이름을 붙였으리라. 묘지나 감호소, 사창가처럼 우리가 사는 공간에 신화적이고 실제적인 이의제기나 질문을 던지는 공간들을 그가 헤테로토피아라 불렀듯이. 확실히 이석준의 카메라가 탐색한 폐 화훼단지는, 그것이 무엇인지 명확하지 않지만, 우리에게 모종의 질문을 던진다.
역설적으로, 이 폐허 속에 유일하게 살아 꿈틀거리는 것은 제멋대로 피어난 야생화들이다. 네안데르탈인들이라면 몰라도 우리는 야생화를 망자의 가는 길에 헌화하지 않는다. 꽃에도 생화, 조화, 야생화의 계급이 나뉘어 있는 것만 같다. 도시 인근 공동묘지의 가득한 묘역에도 빈부에 따라 꽃의 종류나 화려함이 다른 것처럼. 조화와 화환이 돈벌이가 되던 사라진 화훼 단지의 시간과 공간을 애도하듯 오늘 거기 야생화들이 피어있다. 활짝.
이희인 / 작가, 시각예술 연구자
이석준
경기대학교 평생교육원 사진아카데미 고급과정과 한국방송통신대학교 프라임칼리지 사진창작 중급과정을 수료하였고, 현재 사진집단 꿈꽃팩토리 멤버이다. 개인전은 2022년 '해창-시간 속에 남겨진 포구' 행궁재, 단체전은 2019년 '흔적' 예술공간 봄, 2020년 '6인6색전' 예술공간 봄, 2021년 '수원화성 시간여행' 예술공간 봄, 2022년 '포구기행' 복합문화공간 행궁재, 2023년 '숨 깃든 숲' 류가헌갤러리, 2023년 '전주국제사진제' 전북예술회관, 2024년 '좁은 골목길 커다란 사진전' 을지로 골목, 2025년 '천개의 카메라-전북유네스코유산' 갤러리 AP-9, 2025년 '전주국제사진제 전주향교 등을 열었다.
기획 꿈꽃팩토리 후원 후지필름 코리아
Flowers, The Heterotopia
Lee Seokjoon
The Signification and Signifier of Flowers:
Lee Seokjoon's Photographs of Abandoned Flower Farms
A reconstruction of a Neanderthal body found in the Kurdistan region of Iraq is placed in front of flowers and herb seeds. The model of the body, which is estimated to have lived between 60,000 and 80,000 years ago, suggests that even though Neander- thals may not have had advanced symbolic intelligence and could not have conceived of an afterlife or heaven, they still understood the meaning of death and expressed emotions regarding the death of others. The act of offering flowers before death seems to be more of a natural instinct than an expression of nobility or sadness.
The word "flower" in our language resembles a flower itself. Al- though we may separate the signified (the meaning that the symbol refers to) from the signifier (the form or representation of the symbol) when thinking about signs, the character for "flower" in our language seems to resemble the very thing it refers to. The meaning of flowers, or their signification, blooms into various sym- bols. It can hide confessions, express gratitude or congratulations, and most of all, it substitutes for death and mourning. Is there any other object in the world that suggests or performs as much as flowers?
The flowers placed before the deceased are, in a sense, a way of concealing the unpleasantness and odor of death with their beauty and fragrance. However, flowers too face death. The life of a flower, once separated from its stem and flowerhead, lasts no longer than the feeling of sorrow for the deceased. Flowers, which easily wilt in places where prayers for peace and eternal life are of- fered, seem somewhat inappropriate. Is that why Homo sapiens created artificial flowers? But artificial flowers, from the very be- ginning, are lifeless, dead flowers. Therein lies a paradox.
Lee Seokjoon named the abandoned flower farms in places like Gwacheon and Yongin as the "space of evaporation." French phi- losopher Michel Foucault would have likely called these spaces "heterotopias." Just as he labeled spaces like cemeteries, prisons, and brothels as heterotopias, which challenge or question our mythological and real-world frameworks, it is clear that thecamera of Lee Seokjoon explores the abandoned flower farms, which may not have a clear definition but undeniably pose certain questions to us.
Paradoxically, the only thing still alive in these ruins are the wild- flowers that bloom in their own way. While Neanderthals may not have placed wildflowers on the path of the deceased, we do not offer wildflowers in this way. Flowers themselves seem to be clas- sified into categories of real flowers, artificial flowers, and wildflowers. Just as the types and beauty of flowers in a cemetery vary according to wealth, the wildflowers that bloom today in the ruins of the flower industry, once profitable through artificial flowers and wreaths, are now mourning that lost time and space. They bloom, fully alive.
Lee Heein / Auther, Visual Arts Researcher
Lee Seokjoon
Lee Seokjoon completed the Advanced Course at Kyonggi University’s Lifelong Education Center Photo Academy and the Intermediate Course in Creative Photography at Korea National Open University’s PRIME College. He is currently a member of the photography group Dream Flower Factory.
His solo exhibition includes Hae-chang: A Port Left Behind in Time (2022, Haenggungjae).
His group exhibitions include Traces (2019, Art Space Bom), 6 People, 6 Colors (2020, Art Space Bom), Time Travel at Suwon Hwaseong (2021, Art Space Bom), Port Travelogue (2022, Haenggungjae Cultural Complex), Breath of the Forest (2023, Ryugaheon Gallery), Jeonju International Photo Festival (2023, Jeonbuk Arts Center), Big Photo Exhibition in a Narrow Alley (2024, Euljiro Alley), A Thousand Cameras – Jeonbuk UNESCO Heritage (2025, Gallery AP-9), and Jeonju International Photo Festival (2025, Jeonju Hyanggyo).
Planned by: Dream Flower Factory
Sponsored by: Fujifilm Korea
LIves In - Betwee: a Garden of Cats
Jung Younghee
Younghee and the Story of the Cat Village
Text by Yeon-ha Choi (Art Critic)
Artist Younghee Jung writes a photo-diary of gratitude and mourning for the cats who have brought joy into her life. Her diary, which began on March 23, 2024, has continued for over a year, vividly documenting greetings to the cats and the diverse activities of the people who live alongside them. A pivotal moment came when she locked eyes with tuxedo cat “Banmang” and kittens “Olmang” and “Noon-ee.” From then on, she began caring for the cats and seriously photographing them. Over time, her bond expanded to include the cats’ neighbors and friends, deepening her ties within the feline community.
As she naturally befriended the residents of the Cat Village, a gentle and affectionate ecosystem formed around the cats. It was all thanks to them. Among the villagers are the stylish grandmother Kim Mijin, a choir member; “Bill’s dad,” who brings a mat and laptop to sit near the cats on holidays; a high school girl from building 109 who gently strokes “Bill” around 5 p.m.; a university student majoring in biotechnology; a kind-hearted young woman; Haedam Lim, a 6th grader at Sangbong Elementary; “Yomi’s mom”; and student Rangyoon Lee. These people all seemed to grow more and more like the soft fur and graceful presence of the cats they cared for.
The leader of the Cat Village is “Gentle,” who is always seen with Olmang and Banmang. “Bri,” who lives in the sunken garden, has green eyes and a mackerel-tabby coat with a reddish-orange nose—such a beautiful cat. Then there’s “Byul-ee,” once heard crying from a car exhaust pipe; “Daramee,” who resembles a squirrel; “Areum-ee,” with grey fur and bold, round spots on her back; and others like Mocha, Cheddar, Odi, Darlae, Aegyo, Shadow, Coco, Kao, Moja, Cheese, Cherry, Meru, Beorjji, Lala, and Obong-ee… all these cats became the protagonists in Jung’s photography.
Interestingly, while all the cats have names, the people in the village are mostly referred to without them. This is because the cats, unlike being simply classified as "Felidae" or "Felis," each represent a unique and irreplaceable world. In contrast, the human-centric terms “cat mom” or “cat daddy” evoke a warm but more generalized affection. One wonders how cats see us. Their gaze—sweet yet intense, familiar yet alien—feels as though they’ve caught on to our emotions. It’s as if they’ve been contemplating their relationship with humans far longer than we realize. That’s why Jung focuses on the cats’ eyes, attempting to capture their world—a realm that unfolds far beyond human comprehension—through their mysterious gaze.
You can almost picture the cats in the “Cat Garden,” nestled within an apartment complex, each living their own life. Compared to the harsh and grueling existence of city cats, this village offers a kind of soft wilderness and warm human care. On a sunny spring afternoon, kitten fairies leap playfully through tender green leaves, lighting up the world. Jung, gently and swiftly entering the cats’ daily lives, captures these moments with her camera and records them in writing—revealing a marvelous world we might otherwise never have known.
We look forward with curiosity and anticipation to how “Younghee and the Story of the Cat Village” will continue to unfold.
Welcome-Goodbye
"Gesamtkunstwerk" by Attaché des Arts
The title "Welcome-Goodbye" is the theme for the research of a moment after a long journey.
It is the moment when i.e. one leaves a place an oned person is staying another is leaving.
How can this moment be expressed through emotion in art?
This moment is neither a farewell nor a warm welcome.
It should not be a moment of suffering, hatred, jealousy, negative vibes, or sadness. Rather, it should be a moment of giving or receiving a smile, a hug, or saying goodbye with words or bodycount. A good moment to welcome a farewell with happiness and joy in peace.
Attaché des Arts will celebrate this moment of his journey to and in Korea with friends, colleagues, and art lovers. The presented work is not yet finished. It is a process in which human experiences, visions, pain, and love—the most important insights—are incorporated. This is different to Artificial intelligence which can neither achieve nor express authentici creativity.
This Gesamtkunstwerk conveys a sense of that. You can see and experience moments through installations, photos, music/sound, and live action.
Attaché des Arts, alias Dirk Thorwarth, is an artist based in Berlin.
He was born in Frankfurt am Main and lived there for 35 years. He studied economics and political science and worked in the finance, computer, and telecommunications business before moving to Berlin to work and establish himself as an organizer, journalist, and ultimately as an artist in the cultural and art world. For the past nine years, he has lived frequently in Korea. His work is influenced by performance and conceptual art.
이중기호
박헤빈 이현민 정은지 최중훈 최현아
공간썬더의 첫 번째 그룹전 《이중기호》는 박혜빈, 이현민, 정은지, 최중훈, 최현아 다섯 작가의 시선을 통해 일상 속 상징들이 예술로 확장되는 과정을 선보인다. 《이중기호》라는 제목이 암시하듯, 이번 전시는 한 기호가 동시에 두 가지 이상의 의미를 가질 수 있음을 탐구한다. 표면에 드러난 의미와 그 이면에 숨어 있는 또 다른 의미가 공존할 가능성을 열어두며, 기호가 단순한 상징을 넘어 ‘선호하다’라는 행위의 의미로 확장되는 모습을 보여준다.
참여 작가들은 드로잉, 만화, 설치 등 다양한 매체를 통해 현실과 상상의 경계를 넘나들며, 기호가 지닌 여러 레이어를 섬세하게 표현한다. 그들의 작업은 구체적인 형태로 의미를 명확히 드러내기도 하고, 때로는 서사를 추상적으로 풀어내며 관객 각자가 새로운 해석을 시도할 수 있는 여지를 남긴다.
이번 전시는 관객에게 익숙한 일상적 상징들이 새로운 시선 아래 재조명되는 경험을 선사하며, 다의적 기호의 확장성과 상상력을 일깨우고자 한다. 작품과의 만남을 통해 관람객은 자신만의 시각과 경험이 녹아든 다층적 의미의 세계를 발견하게 될 것이다.
최현아
Bi -symbolic
Park Hye-bin, Lee Hyun-min, Jung Eun-ji, Choi Jung-hoon, Choi Hyun-a
Space Thunder’s first group exhibition, Bi-Symbolic, presents the perspectives of five artists — Park Hye-bin, Lee Hyun-min, Jung Eun-ji, Choi Jung-hoon, and Choi Hyun-a — to explore how everyday symbols expand into the realm of art. As the title Bi-Symbolic suggests, this exhibition delves into the possibility that a single symbol can carry two or more meanings simultaneously. It opens up the coexistence of surface meanings and hidden layers beneath, revealing how a symbol can extend beyond mere representation into an act of “favoring” or “preferring.”
Through diverse media such as drawing, comics, and installation, the participating artists traverse the boundary between reality and imagination, delicately expressing the multiple layers of meaning inherent in symbols. Their works at times clearly articulate meaning through concrete forms, while at other times, they unfold narratives in an abstract way, leaving room for each viewer to engage in personal interpretation.
This exhibition offers visitors a re-illumination of familiar everyday symbols from a fresh perspective, aiming to awaken the imagination and expansiveness of polysemic symbols. Through their encounter with the artworks, viewers will discover a multilayered world of meaning shaped by their own perspectives and experiences.
Choi Hyun-a
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서울에서 만나는 <천 개의 카메라 – 발리> 워크숍 전시와 기부 마켓
김철승, 두이 아스티니, 박지연, 성남훈, 송영동, 양병만, 이지원, 최혜숙
1점당 10만원 / 작품 구입하시는 분들께는 후지필름이 제공하는 굿즈를 드립니다.
발리의 이야기가 서울에서 만나는 <천 개의 카메라 - 발리>는 다채로운 도쿄의 모습을 담은 사진을 판매해 기부하는 전시입니다. 전시에는 <후지필름 글로벌 사진 네트워크 전시, 워크숍 – 발리>에 참여한 사진가 8명의 사진들이 전시됩니다. 오프닝에는 <하루 더 마켓 + 파티>가 어우러지며 작품은 공히 10만원에 판매됩니다. 이를 통해 모아진 기금은 후지필름 코리아의 후원금과 함께 <유네스코 아시아태평양 국제이해교육원>이 진행하는 한국과 아시아태평양 국가 청소년들이 모여 사진으로 교류하는 <국제이해교육 사진교실>에 지원됩니다. 후지필름 코리아는 사진을 통해 더욱 글로벌한 공감을 형성하고, 공익적 나눔을 통해 사진가들과 더욱 큰 보람을 나누려 합니다.
주최: 후지필름 코리아
협력: 월간사진, 꿈꽃팩토리, 공간썬더, 사진바다
김철승, 두이 아스티니, 박지연, 성남훈, 송영동, 양병만, 이지원, 최혜숙
1점당 10만원 / 작품 구입하시는 분들께는 후지필름이 제공하는 굿즈를 드립니다.
발리의 이야기가 서울에서 만나는 <천 개의 카메라 - 발리>는 다채로운 도쿄의 모습을 담은 사진을 판매해 기부하는 전시입니다. 전시에는 <후지필름 글로벌 사진 네트워크 전시, 워크숍 – 발리>에 참여한 사진가 8명의 사진들이 전시됩니다. 오프닝에는 <하루 더 마켓 + 파티>가 어우러지며 작품은 공히 10만원에 판매됩니다. 이를 통해 모아진 기금은 후지필름 코리아의 후원금과 함께 <유네스코 아시아태평양 국제이해교육원>이 진행하는 한국과 아시아태평양 국가 청소년들이 모여 사진으로 교류하는 <국제이해교육 사진교실>에 지원됩니다. 후지필름 코리아는 사진을 통해 더욱 글로벌한 공감을 형성하고, 공익적 나눔을 통해 사진가들과 더욱 큰 보람을 나누려 합니다.
주최: 후지필름 코리아
협력: 월간사진, 꿈꽃팩토리, 공간썬더, 사진바다
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<A Thousand Cameras - Bali> Workshop Exhibition & Charity Market in Seoul
Kim Cheol-seung, Dwi Astini, Park Ji-yeon, Sung Nam-hoon, Song Young-dong, Yang Byung-man, Lee Ji-won, Choi Hye-sook
Each photograph is priced at 100,000 KRW.
Buyers will receive special goods provided by Fujifilm.
“A Thousand Cameras: Bali – Where Stories from Bali Meet Seoul”
This exhibition showcases photographs captured during the Fujifilm Global Photo Network Workshop – Bali, featuring works by eight photographers who took part in the program.
All works are priced uniformly at 100,000 KRW and are available for purchase during the exhibition.
An opening event will feature a special “One More Day Market + Party”, blending celebration and sharing.
Proceeds from the exhibition, together with sponsorship from Fujifilm Korea, will be donated to the UNESCO Asia-Pacific Centre of Education for International Understanding (APCEIU). The funds will support the Photo Classroom for Global Understanding, a program where young people from Korea and other Asia-Pacific countries connect and communicate through photography.
Fujifilm Korea hopes to foster deeper global empathy through photography and create meaningful opportunities for photographers to contribute to the public good.
Organized by: Fujifilm Korea
In collaboration with: Monthly Photo, Dreamflower Factory, Space Thunder, Photo Bada
Kim Cheol-seung, Dwi Astini, Park Ji-yeon, Sung Nam-hoon, Song Young-dong, Yang Byung-man, Lee Ji-won, Choi Hye-sook
Each photograph is priced at 100,000 KRW.
Buyers will receive special goods provided by Fujifilm.
“A Thousand Cameras: Bali – Where Stories from Bali Meet Seoul”
This exhibition showcases photographs captured during the Fujifilm Global Photo Network Workshop – Bali, featuring works by eight photographers who took part in the program.
All works are priced uniformly at 100,000 KRW and are available for purchase during the exhibition.
An opening event will feature a special “One More Day Market + Party”, blending celebration and sharing.
Proceeds from the exhibition, together with sponsorship from Fujifilm Korea, will be donated to the UNESCO Asia-Pacific Centre of Education for International Understanding (APCEIU). The funds will support the Photo Classroom for Global Understanding, a program where young people from Korea and other Asia-Pacific countries connect and communicate through photography.
Fujifilm Korea hopes to foster deeper global empathy through photography and create meaningful opportunities for photographers to contribute to the public good.
Organized by: Fujifilm Korea
In collaboration with: Monthly Photo, Dreamflower Factory, Space Thunder, Photo Bada
2025/06/22 - 2025/06/29
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<On the Wave 파도 위에서>
문요
파도를 기다리는 동안, 물 속에 손을 담그고 가만히 있는 시간을 좋아한다. 먼 바다에서 물결이 시작되면 손에 닿는 밀도가 달라진다. 묵직하고 시원한 물 덩어리가 손바닥을 밀어내며 틈새로 빠져나간다. 그러면 직감한다. 파도가 오고 있구나. 약속이나 한 듯 수평선 위로 길고 선명한 줄이 다가온다. 태평양의 뜨거운 햇볕을 받으며 수천 킬로미터를 여행하던 파도가, 양양 바다에 떠 있던 작은 인간에게 도착한 것이다.
가끔은 파도가 너무 커서 겁이 나 도망치고, 때로는 눈앞까지 다가온 기회를 허무하게 흘려보내기도 한다. 하지만 언젠가는 나에게 꼭 맞는 높이와 세기의 파도가 찾아온다. 황급히 몸을 돌려 해변을 향해 팔을 젓고, 밀려오는 힘이 보드를 들어올릴 때 본능적으로 일어난다. 그리고 파도와 함께 앞으로 나아간다. 날이 선 물살이 부서져 하얀 포말이 되기까지.
한바탕 신나게 파도를 타고 나면 어느새 나는 어린아이로 돌아간다. 해 질 무렵 놀이터에서 그네를 타며 구슬땀을 흘리던 그 시절의 나로. 내가 누구였는지, 무슨 고민을 했는지, 아무것도 생각나지 않는 순간이 온다.
이 경험은 내가 그림을 그리고 이야기를 지을 때 가장 밑바탕이 되는 감각이다. 자연과의 교감, 기다림의 시간, 본능적인 움직임, 그리고 순간의 몰입. 이 모든 것들을 바다에게서 배우고 있다.
캠핑 또한 그런 연장선이었다. 평창의 첩첩산중 목장에서 비에 젖은 숲을 바라보며 아득함을 느낄 때, 새벽녘 귀가 터질 정도로 지저귀는 새 소리에 눈을 뜰 때, 친구들과 맛있는 음식을 만들고 모닥불 앞에서 술잔을 기울일 때. 도시에서는 쉽게 경험할 수 없는 장면들이 마음속에 차곡차곡 쌓인다.
이 전시는 내가 자연 속에서 경험한 자유로움과 따뜻한 유대의 시간을 담은 기록이다. 동물적 본능이 깨어나 거침없이 물살을 가르는 서퍼들, 거센 파도에 휘말려도 훌훌 털고 다시 도전하는 용기, 바다와 숲에서 좋아하는 사람들과 함께한 순간들, 그리고 피식 웃음이 새어 나오는 유쾌한 감정들을 그려보았다.
파도를 그리는 일은 단순한 재현이 아니다. 매 순간 달라지는 물결의 형태와 질감은 고정되지 않는다. 그래서 나는 파도를 감정처럼 표현하고자 했다. 묵직하고, 반짝이며, 때로는 흐릿하게 다가오는 마음처럼. 자료를 모으고 스케치를 한 뒤, 도자기와 캔버스 위에 색을 쌓아가며 바다의 리듬을 화면에 옮겼다.
이 전시를 통해, 바쁜 도시의 속도에 지친 사람들이 잠시 숨을 돌렸으면 좋겠다. 문득 바다나 숲이 그리워지고, 주말의 햇살이 기다려지는 기분이 들었으면 한다.
문요 Moonyo Lee @moonyo.book
카이스트에서 산업디자인을 공부하면서 학사와 석사 과정을 마쳤고, 기업에서 디자이너로 일했다. 어릴 적부터 좋아하던 그림을 잘 그리고 싶어 SI그림책학교에서 그림과 스토리텔링을 배웠다. 지금은 개인 작업을 하며 XR(확장현실) 프로젝트도 진행하고 있다. 조금은 허술하고 자유로운, 감정이 살아있는 그림을 그리고 싶다.
-2020 볼로냐 국제아동 도서전 올해의 일러스트레이터
-2020 상하이 국제아동 도서전 Golden Pinwheel Competition,
Finalist
-2023 볼로냐 국제아동 도서전 Italian Excellence: Illustrations for Italo Calvino, Winner
-2024 파리 New Images Festival, XR Development Market Selected
-2025 파리 New Images Festival, XR Distribution Market Selected
On the Wave 파도 위에서
moonyolee.com
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<On the Wave>
MoonYo
I enjoy the stillness of keeping my hand in the water while waiting for a wave. When a swell begins from the distant sea, I can feel a change in the density of the water against my skin. A heavy, cool mass pushes against my palm and slips through my fingers. That’s when I sense it—a wave is coming. Like a promise, a long and distinct line approaches the horizon. A wave that has traveled thousands of kilometers under the scorching sun of the Pacific finally arrives, reaching a small human floating in the sea of Yangyang.
Sometimes, the waves are too big and I run away in fear. Other times, I let a perfect opportunity slip by, unable to seize the moment. But eventually, a wave comes that matches me—just the right height and strength. I turn quickly, paddle toward the shore, and as the wave lifts my board, I rise instinctively. Then I move forward with the wave, riding it until the sharp water breaks into white foam.
After riding a wave, I find myself transformed into a child again. Like the me who once swung hard on a playground swing at dusk, sweating with joy. A moment arrives when I forget who I am or what I’ve been worrying about.
This experience forms the foundation of my art and storytelling. The communion with nature, the patience in waiting, the instinctive motion, and the deep immersion in the moment—I’ve learned all of these from the sea.
Camping is an extension of that. Watching the rain-soaked forest from a secluded mountain ranch in Pyeongchang, waking at dawn to birdsong so loud it almost bursts my ears, cooking delicious food with friends, sharing drinks around a campfire—these are scenes not easily found in the city, but they accumulate quietly in my memory.
This exhibition is a record of the freedom and warm connection I’ve experienced in nature. Surfers cutting through the water with awakened instincts, the courage to brush off a wipeout and try again, shared moments with loved ones by the ocean and in the forest, and the light-hearted feelings that bring a spontaneous smile—I’ve tried to capture them all.
To paint waves is not merely to reproduce them. The ever-changing shapes and textures of water resist being fixed in form. So I tried to express waves as if they were emotions—heavy, sparkling, and sometimes vague, like a feeling that comes and goes. After gathering reference materials and sketching, I built up color on ceramics and canvas, translating the rhythm of the sea into the surface.
Through this exhibition, I hope people weary of the fast pace of urban life can take a moment to breathe. That they might suddenly miss the sea or the forest, and find themselves looking forward to the sunlight of a weekend.
문요 Moonyo Lee @moonyo.book
I studied Industrial Design at KAIST, where I completed both my bachelor's and master's degrees, and worked as a designer in the industry. Wanting to draw better and reconnect with my childhood love for illustration, I studied drawing and storytelling at SI Picture Book School. Now, I focus on my personal work while also working on XR (Extended Reality) projects. I aim to create drawings that feel a little loose and free—filled with emotion and life.
-2020 Bologna Children’s Book Fair, Illustrator of the Year
-2020 Shanghai International Children’s Book Fair, Golden Pinwheel Competition, Finalist
-2023 Bologna Children’s Book Fair, Italian Excellence: Illustrations for Italo Calvino, Winner
-2024 Paris NewImages Festival, XR Development Market, Selected
-2025 Paris NewImages Festival, XR Distribution Market, Selected
On the Wave
moonyolee.com
<On the Wave>
MoonYo
I enjoy the stillness of keeping my hand in the water while waiting for a wave. When a swell begins from the distant sea, I can feel a change in the density of the water against my skin. A heavy, cool mass pushes against my palm and slips through my fingers. That’s when I sense it—a wave is coming. Like a promise, a long and distinct line approaches the horizon. A wave that has traveled thousands of kilometers under the scorching sun of the Pacific finally arrives, reaching a small human floating in the sea of Yangyang.
Sometimes, the waves are too big and I run away in fear. Other times, I let a perfect opportunity slip by, unable to seize the moment. But eventually, a wave comes that matches me—just the right height and strength. I turn quickly, paddle toward the shore, and as the wave lifts my board, I rise instinctively. Then I move forward with the wave, riding it until the sharp water breaks into white foam.
After riding a wave, I find myself transformed into a child again. Like the me who once swung hard on a playground swing at dusk, sweating with joy. A moment arrives when I forget who I am or what I’ve been worrying about.
This experience forms the foundation of my art and storytelling. The communion with nature, the patience in waiting, the instinctive motion, and the deep immersion in the moment—I’ve learned all of these from the sea.
Camping is an extension of that. Watching the rain-soaked forest from a secluded mountain ranch in Pyeongchang, waking at dawn to birdsong so loud it almost bursts my ears, cooking delicious food with friends, sharing drinks around a campfire—these are scenes not easily found in the city, but they accumulate quietly in my memory.
This exhibition is a record of the freedom and warm connection I’ve experienced in nature. Surfers cutting through the water with awakened instincts, the courage to brush off a wipeout and try again, shared moments with loved ones by the ocean and in the forest, and the light-hearted feelings that bring a spontaneous smile—I’ve tried to capture them all.
To paint waves is not merely to reproduce them. The ever-changing shapes and textures of water resist being fixed in form. So I tried to express waves as if they were emotions—heavy, sparkling, and sometimes vague, like a feeling that comes and goes. After gathering reference materials and sketching, I built up color on ceramics and canvas, translating the rhythm of the sea into the surface.
Through this exhibition, I hope people weary of the fast pace of urban life can take a moment to breathe. That they might suddenly miss the sea or the forest, and find themselves looking forward to the sunlight of a weekend.
문요 Moonyo Lee @moonyo.book
I studied Industrial Design at KAIST, where I completed both my bachelor's and master's degrees, and worked as a designer in the industry. Wanting to draw better and reconnect with my childhood love for illustration, I studied drawing and storytelling at SI Picture Book School. Now, I focus on my personal work while also working on XR (Extended Reality) projects. I aim to create drawings that feel a little loose and free—filled with emotion and life.
-2020 Bologna Children’s Book Fair, Illustrator of the Year
-2020 Shanghai International Children’s Book Fair, Golden Pinwheel Competition, Finalist
-2023 Bologna Children’s Book Fair, Italian Excellence: Illustrations for Italo Calvino, Winner
-2024 Paris NewImages Festival, XR Development Market, Selected
-2025 Paris NewImages Festival, XR Distribution Market, Selected
On the Wave
moonyolee.com
2025/06/14 - 2025/06/21
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소연과 준우, 준우와 소연 두 사람의 성장을 담은 이 전시는편의를 위해 만들어진 기존 결혼식의 틀을 깨고 새로운 결혼식의 형태를 만든다.
둘의 성장과 일상을 함께 해온 이들은 그때 그 시절의 추억과둘의 이야기를 간접적으로 경험할 수 있을 것이며 처음 전시를 접한 이들에게는 새로운 형태의 결혼식에 대한 체험을 제공한다.
이 성장 이야기는 두 사람의 이야기가 될 수도 있고 누군가의 이야기가 될 수도 있다.한 사람이 성장하여 가족을 이루기까지의 여정에 얼마나 많은 이야기가 존재할까.
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This exhibition, which traces the growth of Soyeon and Junwoo—Junwoo and Soyeon—breaks away from the traditional framework of a conventional wedding, creating a new form of celebration.
For those who have shared in their everyday lives and growth, it offers a chance to revisit memories and experience their story indirectly. For first-time visitors, it presents a new way of encountering what a wedding can be.
This story of growth could belong to the two of them—or to anyone. How many stories must there be in the journey of a person growing and eventually forming a family?
2025/06/07 - 2025/06/08
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<LE CAT MEETS BUKCHON>
필립 그뤽
르깟을 다시 한국에서 선보일 수 있어 매우 기대됩니다. 이번 전시는 서울 북촌의 중심, 공간썬더에서 여러분을 찾아갑니다.
1983년 벨기에 일간지《르 수아르》에서 처음 등장한 이 통통한 고양이는 40년 동안 24권의 베스트셀러 책(1,500 만 부 판매)과 15 종류의 다른 언어로 번역되었으며, 전 세계 독자에게 사랑받아 왔습니다. 특히 3년 전부터는 한국어판도 출간되어, 르깟 특유의 재치 있고 철학적인 유머가 국경을 넘어 이렇게 쉽게 전해진다는 사실이 작가로서도 놀랍고 즐겁습니다. 1991년부터는 회화와 브론즈 조각으로도 확장되었고, 2021년 파리 샹젤리제에서 시작된 야외 전시 《Le Cat Walks》는 보르도, 캉, 몽트뢰, 모나코, 제네바, 브뤼셀을 순회하며 수백만 관람객을 맞았습니다.
서울 전시는 특히 뜻깊습니다. 판화와 더불어 르깟의 유쾌함을 담은 오브제까지 국내 최초로 공개되며, 2027년 브뤼셀 개관 예정인 《Le Cat and Cartoon Museum》으로 가는 여정의 중요한 이정표이기 때문입니다. 아직 한국을 직접 방문하진 못했지만, 브뤼셀 작업실을 찾은 한국 관람객들 덕분에 한국에 대한 기대가 큽니다. 르깟이 여러분께 작은 웃음과 소박한 꿈을 선물하길 바랍니다.
필립 그뤽
주최 재주스튜디오 I 꽃피는 몸 프로젝트
협력 주한벨기에 대사관
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<LE CAT MEETS BUKCHON>
Philippe Geluck
It is a great joy to bring Le Cat back to Korea—this time to Space Thunder in the heart of Bukchon, Seoul.
I first drew this curious, chubby feline for the Belgian daily Le Soir in 1983. Forty years, 24 bestselling albums (15 million copies sold), and 15 languages later—including Korean since three years ago—I’m still delighted, and a little amused, that his quirky, philosophical humor crosses cultures so easily. In 1991 I began painting and sculpting Le Cat, and a career highlight was ‘Le Cat Walks’, the monumental outdoor show on the Champs-Élysées in 2021 that later toured Bordeaux, Caen, Montreux, Monaco, Geneva, and Brussels, welcoming millions of visitors.
This Seoul exhibition is special: alongside fine-art prints it unveils playful Le Cat objets—small pieces of quirkiness and poetry—and looks ahead to the opening of the ‘Le Cat and Cartoon Museum’ in Brussels in 2027. Although I have yet to set foot in Korea, the Korean visitors I’ve welcomed to my Brussels studio have left a vivid, warm impression, and I look forward to discovering your country soon. I hope my Cat makes you laugh, think, and dream—just a little.
Philippe Geluck
Host JEJOO Studio I Blooming Body Project
Cooperation Embassy of Belgium in South Korea
2025/05/27 - 2025/06/04
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꽃, 헤테로토피아
이석준 개인전
꽃의 기의와 기표:
이석준의 버려진 화훼단지 사진들
이라크의 쿠르디스탄 지역에서 발견된 네안데르탈인 시신의 복원 모형 앞에는 꽃과 약초 씨앗들이 놓여있다. 8~6만 년 전 생존한 것으로 추정되는 시신의 모형은 네안데르탈인이 비록 고도의 상징적 지능을 갖지 못했고 천국이나 내세까지 생각하지 못했더라도, ‘죽는다는 것’의 의미를 이해하고 타인의 죽음에 어떤 감정을 표현했음을 짐작케 한다. 죽음 앞에 헌화하는 행위는 숭고함과 슬픔 이전에 자연스러운 본능의 발로처럼 여겨진다.
우리말 '꽃'은 글자 모양도 꽃을 닮았다. 기호의 뜻 부분, 즉 가리키는 것의 의미를 담은 기의(記意, signifié)와 그것의 표기 부분인 기표(記, signi- fiant)를 분리해 사고하기도 하지만, 우리 말 '꽃'이란 글자는 그 기표조차 가리키는 대상을 닮은 것처럼 보인다. 꽃이 지닌 기의는 거기서 더 만발해져 다양한 상징들로 피어난다. 고백하는 마음을 숨기기도 하고 감사나 축하의 뜻을 표현하기도 하며, 무엇보다 죽음과 애도를 대신한다. 꽃만큼 많은 일을 암시하거나 수행하는 사물이 세상에 또 있을까 싶다. 망자 앞에 놓인 꽃은, 추하고 냄새나는 것이 죽음이기에 그것을 화사함과 향기로 감추겠다는 저의로도 읽힌다. 그러나 꽃 역시 죽음을 맞는다.
줄기와 꽃대궁을 떠난 꽃의 생명은 망자에 대한 슬픔의 감정보다도 오래 지속되지 않는다. 명복과 영생을 기원하는 자리에 쉽게 시드는 꽃은 어쩐지 적절하지 않아 보인다. 그래서 사피엔스들은 조화(造花)를 만들어낸 것 일까. 그러나 조화는 처음부터 생명을 부여받지 못한 죽은 꽃이다.
여기에 역설이 있다. 한겨울 눈밭 위의 꽃을 발견하고 그것이 곧 조화였음을 알게 된 사진가 이석준은 조화만 여기저기 흩어진 폐허가 된 화훼단지에 관심을 갖게 되었다. 장례식장과 묘택을 꾸며주는 조화를 만들던 공간도 재개발을 앞두고 죽거나 죽어가는 공간으로 변모해 있었다. 도시 확장으로 공동화가 이루어진 폐허를 기억하고 애도하듯 거기 조화들만 버려져 있었다. 삶과 죽음의 역설이 묘하게 섞여 있는 공간. 생화보다 더 생생하던 조화 화환들이 가득했던 좋았던 시절이 거기 있었을 터다. 우리 곁에 아직 살아있는 것만 같은 망자들이 그러하듯, 현전(現前 )하는 것도 아니고 그렇다고 부재하지도 않는 무엇이 이 공간에 감지된다. 누구나 보고 있지만 아무나 볼 수 없는 것, 보이지 않지만 거기 존재하는 듯한 어떤 것을 카메라에 담는 것은 쉬운 일이 아닌데 어떤 사진가들은 그런 일을 한다.
과천과 용인 등지의 버려진 화훼단지를 이석준은 ‘증발의 공간(space of evaporation)'이라 명명했다. 프랑스의 철학자 미셸 푸코는 이런 공간에 ‘ 헤테로토피아(hétérotopie)'라는 이름을 붙였으리라. 묘지나 감호소, 사창가처럼 우리가 사는 공간에 신화적이고 실제적인 이의제기나 질문을 던지는 공간들을 그가 헤테로토피아라 불렀듯이. 확실히 이석준의 카메라가 탐색한 폐 화훼단지는, 그것이 무엇인지 명확하지 않지만, 우리에게 모종의 질문을 던진다.
역설적으로, 이 폐허 속에 유일하게 살아 꿈틀거리는 것은 제멋대로 피어난 야생화들이다. 네안데르탈인들이라면 몰라도 우리는 야생화를 망자의 가는 길에 헌화하지 않는다. 꽃에도 생화, 조화, 야생화의 계급이 나뉘어 있는 것만 같다. 도시 인근 공동묘지의 가득한 묘역에도 빈부에 따라 꽃의 종류나 화려함이 다른 것처럼. 조화와 화환이 돈벌이가 되던 사라진 화훼 단지의 시간과 공간을 애도하듯 오늘 거기 야생화들이 피어있다. 활짝.
이희인 / 작가, 시각예술 연구자
이석준
경기대학교 평생교육원 사진아카데미 고급과정과 한국방송통신대학교 프라임칼리지 사진창작 중급과정을 수료하였고, 현재 사진집단 꿈꽃팩토리 멤버이다. 개인전은 2022년 '해창-시간 속에 남겨진 포구' 행궁재, 단체전은 2019년 '흔적' 예술공간 봄, 2020년 '6인6색전' 예술공간 봄, 2021년 '수원화성 시간여행' 예술공간 봄, 2022년 '포구기행' 복합문화공간 행궁재, 2023년 '숨 깃든 숲' 류가헌갤러리, 2023년 '전주국제사진제' 전북예술회관, 2024년 '좁은 골목길 커다란 사진전' 을지로 골목, 2025년 '천개의 카메라-전북유네스코유산' 갤러리 AP-9, 2025년 '전주국제사진제 전주향교 등을 열었다.
기획 꿈꽃팩토리 후원 후지필름 코리아
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Flowers, The Heterotopia
Lee Seokjoon
The Signification and Signifier of Flowers:
Lee Seokjoon's Photographs of Abandoned Flower Farms
A reconstruction of a Neanderthal body found in the Kurdistan region of Iraq is placed in front of flowers and herb seeds. The model of the body, which is estimated to have lived between 60,000 and 80,000 years ago, suggests that even though Neander- thals may not have had advanced symbolic intelligence and could not have conceived of an afterlife or heaven, they still understood the meaning of death and expressed emotions regarding the death of others. The act of offering flowers before death seems to be more of a natural instinct than an expression of nobility or sadness.
The word "flower" in our language resembles a flower itself. Al- though we may separate the signified (the meaning that the symbol refers to) from the signifier (the form or representation of the symbol) when thinking about signs, the character for "flower" in our language seems to resemble the very thing it refers to. The meaning of flowers, or their signification, blooms into various sym- bols. It can hide confessions, express gratitude or congratulations, and most of all, it substitutes for death and mourning. Is there any other object in the world that suggests or performs as much as flowers?
The flowers placed before the deceased are, in a sense, a way of concealing the unpleasantness and odor of death with their beauty and fragrance. However, flowers too face death. The life of a flower, once separated from its stem and flowerhead, lasts no longer than the feeling of sorrow for the deceased. Flowers, which easily wilt in places where prayers for peace and eternal life are of- fered, seem somewhat inappropriate. Is that why Homo sapiens created artificial flowers? But artificial flowers, from the very be- ginning, are lifeless, dead flowers. Therein lies a paradox.
Lee Seokjoon named the abandoned flower farms in places like Gwacheon and Yongin as the "space of evaporation." French phi- losopher Michel Foucault would have likely called these spaces "heterotopias." Just as he labeled spaces like cemeteries, prisons, and brothels as heterotopias, which challenge or question our mythological and real-world frameworks, it is clear that thecamera of Lee Seokjoon explores the abandoned flower farms, which may not have a clear definition but undeniably pose certain questions to us.
Paradoxically, the only thing still alive in these ruins are the wild- flowers that bloom in their own way. While Neanderthals may not have placed wildflowers on the path of the deceased, we do not offer wildflowers in this way. Flowers themselves seem to be clas- sified into categories of real flowers, artificial flowers, and wildflowers. Just as the types and beauty of flowers in a cemetery vary according to wealth, the wildflowers that bloom today in the ruins of the flower industry, once profitable through artificial flowers and wreaths, are now mourning that lost time and space. They bloom, fully alive.
Lee Heein / Auther, Visual Arts Researcher
Lee Seokjoon
Lee Seokjoon completed the Advanced Course at Kyonggi University’s Lifelong Education Center Photo Academy and the Intermediate Course in Creative Photography at Korea National Open University’s PRIME College. He is currently a member of the photography group Dream Flower Factory.
His solo exhibition includes Hae-chang: A Port Left Behind in Time (2022, Haenggungjae).
His group exhibitions include Traces (2019, Art Space Bom), 6 People, 6 Colors (2020, Art Space Bom), Time Travel at Suwon Hwaseong (2021, Art Space Bom), Port Travelogue (2022, Haenggungjae Cultural Complex), Breath of the Forest (2023, Ryugaheon Gallery), Jeonju International Photo Festival (2023, Jeonbuk Arts Center), Big Photo Exhibition in a Narrow Alley (2024, Euljiro Alley), A Thousand Cameras – Jeonbuk UNESCO Heritage (2025, Gallery AP-9), and Jeonju International Photo Festival (2025, Jeonju Hyanggyo).
Planned by: Dream Flower Factory
Sponsored by: Fujifilm Korea
2025/05/17 - 2025/05/25
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사이의 삶 - 고양이의 정원
정영희 개인전
영희와 고양이 마을 이야기
글 : 최연하 (미술비평)
정영희 작가는 자신에게 삶의 기쁨을 안겨준 고양이들을 향해 고마움과 애도의 사진-일기를 쓴다. 2024년 3월 23일에 시작한 정영희의 일기는 1년 넘게 이어지는데, 주로 고양이들에게 안부를 묻는 일과 고양이와 함께 지내는 사람들의 행위가 다채롭게 펼쳐지고 있다.
턱시도 고양이 ‘반망이’와 새끼 고양이 ‘올망이’와 눈이 마주치는 사건이 계기가 되어, 정영희는 고양이들을 보살피며 사진 촬영을 본격적으로 시작한다. 점차 고양이의 이웃과 친구들까지, 고양이들과의 인연도 넓어진다. 고양이 마을에 사는 사람들과도 스스럼없이 인사를 나누며, 고양이를 중심으로 마을 생태계가 다정하고 다감하게 형성된다. 모두 고양이 덕분이었다.
합창단원으로 활동하는 멋쟁이 할머니 김미진, 휴일마다 고양이 곁에 머물기 위해 돗자리와 노트북을 들고 나오는 ‘빌’의 아빠, 오후 5시 무렵에 ‘빌’을 쓰다듬어주는 109동에 사는 여고생, 생명공학을 전공하는 대학생, 마음씨 착한 아가씨, 상봉초등학교 6학년 임해담, ‘요미’ 엄마, 이랑윤 학생 등 고양이 마을 사람들은 고양이의 부드러운 털과 유연한 자태를 닮아 가고 있었다.
고양이 마을에서 대장은 ‘젠틀이’다. 젠틀이는 ‘올망이’, ‘반망이’와 늘 함께 다닌다. 썬큰정원의 ‘브리’는 초록색 눈에 고등어 무늬 옷을 입고 있으며, 붉은색에 가까운 주황색 코를 가진 멋진 고양이다. 자동차 배관에서 울고 있었던 ‘별이’, 다람쥐를 닮은 ‘다람이’, 회색 등에 진하고 둥근 점이 있는 ‘아름이’, 모카와 체다, 오디와 다래, 애교, 셰도, 코코, 카오, 모자, 치즈, 앵두, 머루, 버찌, 라라, 오봉이… 모두 고양이 마을의 주인공들로 정영희의 사진 속으로 들어왔다.
흥미로운 것은, 이 마을의 고양이들은 모두 이름이 있는데, 사람들은 대체로 이름 없이 등장한다는 점이다. 사진 속 고양이들이 모두 제 이름이 있는 것은 ‘고양이과 고양이속’으로 환원할 수 없는 각각의 특별한 세계 때문일 것이다. 그에 비해 인간적 관점이 다분한 ‘캣맘/캣대디’라는 호칭은 특별함보다 보편의 따뜻한 정서가 앞선다.
고양이에게 사람은 어떻게 보일까? 다정하고 귀여운 듯, 뚫어지게 사람을 바라보는 고양이의 응시는 애틋하고 섬뜩하고 낯설다. 고양이에게 마음을 들킨 것 같아서, 그리고 이들은 자신과 인간의 관계를 이미 오래전부터 성찰했을 것처럼 보이기 때문이다. 정영희가 사람을 응시하는 고양이의 눈빛에 초점을 맞춘 이유도 여기에 있다. 인간의 이해 바깥에서 도저하게 펼쳐질 고양이의 세계를 그들의 눈빛을 통해 드러내려 한 것이다.
아파트 단지 한 가운데 ‘고양이 정원’에서 각자의 삶을 꾸려가고 있을 고양이들의 모습이 눈에 선하다. 척박하고 고단할 도심 고양이의 삶에 비해, 그곳은 부드러운 야생 자연과 따뜻한 사람의 마음이 고양이를 보살펴줄 것이다. 어느 햇살 좋은 봄날 오후, 여리고 부드러운 연두잎 사이로 새끼 고양이들이 요정처럼 가볍게 뛰어올라 세상을 눈부시게 밝힌다.
정영희는 고양이의 일상으로 들어가 천천히, 민첩하게 사진을 촬영하고 글로 기록해 이 멋진 세계를 보여주고 있다. 정영희가 기록하지 않았다면 몰랐을 세계다. ‘영희와 고양이 마을의 이야기’가 앞으로 어떻게 전개될지 궁금하고 기대된다.
사이의 삶 - 고양이의 정원
정영희 개인전
영희와 고양이 마을 이야기
글 : 최연하 (미술비평)
정영희 작가는 자신에게 삶의 기쁨을 안겨준 고양이들을 향해 고마움과 애도의 사진-일기를 쓴다. 2024년 3월 23일에 시작한 정영희의 일기는 1년 넘게 이어지는데, 주로 고양이들에게 안부를 묻는 일과 고양이와 함께 지내는 사람들의 행위가 다채롭게 펼쳐지고 있다.
턱시도 고양이 ‘반망이’와 새끼 고양이 ‘올망이’와 눈이 마주치는 사건이 계기가 되어, 정영희는 고양이들을 보살피며 사진 촬영을 본격적으로 시작한다. 점차 고양이의 이웃과 친구들까지, 고양이들과의 인연도 넓어진다. 고양이 마을에 사는 사람들과도 스스럼없이 인사를 나누며, 고양이를 중심으로 마을 생태계가 다정하고 다감하게 형성된다. 모두 고양이 덕분이었다.
합창단원으로 활동하는 멋쟁이 할머니 김미진, 휴일마다 고양이 곁에 머물기 위해 돗자리와 노트북을 들고 나오는 ‘빌’의 아빠, 오후 5시 무렵에 ‘빌’을 쓰다듬어주는 109동에 사는 여고생, 생명공학을 전공하는 대학생, 마음씨 착한 아가씨, 상봉초등학교 6학년 임해담, ‘요미’ 엄마, 이랑윤 학생 등 고양이 마을 사람들은 고양이의 부드러운 털과 유연한 자태를 닮아 가고 있었다.
고양이 마을에서 대장은 ‘젠틀이’다. 젠틀이는 ‘올망이’, ‘반망이’와 늘 함께 다닌다. 썬큰정원의 ‘브리’는 초록색 눈에 고등어 무늬 옷을 입고 있으며, 붉은색에 가까운 주황색 코를 가진 멋진 고양이다. 자동차 배관에서 울고 있었던 ‘별이’, 다람쥐를 닮은 ‘다람이’, 회색 등에 진하고 둥근 점이 있는 ‘아름이’, 모카와 체다, 오디와 다래, 애교, 셰도, 코코, 카오, 모자, 치즈, 앵두, 머루, 버찌, 라라, 오봉이… 모두 고양이 마을의 주인공들로 정영희의 사진 속으로 들어왔다.
흥미로운 것은, 이 마을의 고양이들은 모두 이름이 있는데, 사람들은 대체로 이름 없이 등장한다는 점이다. 사진 속 고양이들이 모두 제 이름이 있는 것은 ‘고양이과 고양이속’으로 환원할 수 없는 각각의 특별한 세계 때문일 것이다. 그에 비해 인간적 관점이 다분한 ‘캣맘/캣대디’라는 호칭은 특별함보다 보편의 따뜻한 정서가 앞선다.
고양이에게 사람은 어떻게 보일까? 다정하고 귀여운 듯, 뚫어지게 사람을 바라보는 고양이의 응시는 애틋하고 섬뜩하고 낯설다. 고양이에게 마음을 들킨 것 같아서, 그리고 이들은 자신과 인간의 관계를 이미 오래전부터 성찰했을 것처럼 보이기 때문이다. 정영희가 사람을 응시하는 고양이의 눈빛에 초점을 맞춘 이유도 여기에 있다. 인간의 이해 바깥에서 도저하게 펼쳐질 고양이의 세계를 그들의 눈빛을 통해 드러내려 한 것이다.
아파트 단지 한 가운데 ‘고양이 정원’에서 각자의 삶을 꾸려가고 있을 고양이들의 모습이 눈에 선하다. 척박하고 고단할 도심 고양이의 삶에 비해, 그곳은 부드러운 야생 자연과 따뜻한 사람의 마음이 고양이를 보살펴줄 것이다. 어느 햇살 좋은 봄날 오후, 여리고 부드러운 연두잎 사이로 새끼 고양이들이 요정처럼 가볍게 뛰어올라 세상을 눈부시게 밝힌다.
정영희는 고양이의 일상으로 들어가 천천히, 민첩하게 사진을 촬영하고 글로 기록해 이 멋진 세계를 보여주고 있다. 정영희가 기록하지 않았다면 몰랐을 세계다. ‘영희와 고양이 마을의 이야기’가 앞으로 어떻게 전개될지 궁금하고 기대된다.
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LIves In - Betwee: a Garden of Cats
Jung Younghee
Younghee and the Story of the Cat Village
Text by Yeon-ha Choi (Art Critic)
Artist Younghee Jung writes a photo-diary of gratitude and mourning for the cats who have brought joy into her life. Her diary, which began on March 23, 2024, has continued for over a year, vividly documenting greetings to the cats and the diverse activities of the people who live alongside them. A pivotal moment came when she locked eyes with tuxedo cat “Banmang” and kittens “Olmang” and “Noon-ee.” From then on, she began caring for the cats and seriously photographing them. Over time, her bond expanded to include the cats’ neighbors and friends, deepening her ties within the feline community.
As she naturally befriended the residents of the Cat Village, a gentle and affectionate ecosystem formed around the cats. It was all thanks to them. Among the villagers are the stylish grandmother Kim Mijin, a choir member; “Bill’s dad,” who brings a mat and laptop to sit near the cats on holidays; a high school girl from building 109 who gently strokes “Bill” around 5 p.m.; a university student majoring in biotechnology; a kind-hearted young woman; Haedam Lim, a 6th grader at Sangbong Elementary; “Yomi’s mom”; and student Rangyoon Lee. These people all seemed to grow more and more like the soft fur and graceful presence of the cats they cared for.
The leader of the Cat Village is “Gentle,” who is always seen with Olmang and Banmang. “Bri,” who lives in the sunken garden, has green eyes and a mackerel-tabby coat with a reddish-orange nose—such a beautiful cat. Then there’s “Byul-ee,” once heard crying from a car exhaust pipe; “Daramee,” who resembles a squirrel; “Areum-ee,” with grey fur and bold, round spots on her back; and others like Mocha, Cheddar, Odi, Darlae, Aegyo, Shadow, Coco, Kao, Moja, Cheese, Cherry, Meru, Beorjji, Lala, and Obong-ee… all these cats became the protagonists in Jung’s photography.
Interestingly, while all the cats have names, the people in the village are mostly referred to without them. This is because the cats, unlike being simply classified as "Felidae" or "Felis," each represent a unique and irreplaceable world. In contrast, the human-centric terms “cat mom” or “cat daddy” evoke a warm but more generalized affection. One wonders how cats see us. Their gaze—sweet yet intense, familiar yet alien—feels as though they’ve caught on to our emotions. It’s as if they’ve been contemplating their relationship with humans far longer than we realize. That’s why Jung focuses on the cats’ eyes, attempting to capture their world—a realm that unfolds far beyond human comprehension—through their mysterious gaze.
You can almost picture the cats in the “Cat Garden,” nestled within an apartment complex, each living their own life. Compared to the harsh and grueling existence of city cats, this village offers a kind of soft wilderness and warm human care. On a sunny spring afternoon, kitten fairies leap playfully through tender green leaves, lighting up the world. Jung, gently and swiftly entering the cats’ daily lives, captures these moments with her camera and records them in writing—revealing a marvelous world we might otherwise never have known.
We look forward with curiosity and anticipation to how “Younghee and the Story of the Cat Village” will continue to unfold.
2025/04/19 - 2025/04/27
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웰컴–굿바이
아타셰 데 자르(Attaché des Arts)의 게잠트쿤스트베르크 (Gesamtkunstwerk)
"웰컴–굿바이"는 긴 여정 끝에 마주하는 한 순간에 대한 탐구입니다.
누군가는 머물고 누군가는 떠나는 교차의 그 순간.
이 순간은 단순한 환영도, 작별도 아닙니다.
슬픔이나 미움, 질투, 부정적인 감정이 아닌, 미소와 포옹, 혹은 몸짓이나 언어로 나누는 평화롭고 기쁜 작별 인사의 시간입니다.
이번 전시를 통해 아타셰 데 자르는 한국에서의 여정을 마무리하며 친구들, 동료들, 예술을 사랑하는 이들과 함께 그 순간을 나누고자 합니다.
전시된 작품은 완결된 결과물이 아닌 인간의 경험과 상상, 고통과 사랑이 담긴 일련의 과정입니다. 이것은 인공지능이 흉내낼 수 없는, 진정한 창작의 방식입니다.
이번 ‘게잠트쿤스트베르크’는 설치, 사진, 음악/사운드, 퍼포먼스를 통해 그러한 순간들을 보여주고 느끼게 합니다.
아타셰 데 자르(Attaché des Arts)는 독일 베를린을 기반으로 활동하는 디르크 토르바르트 (Dirk Thorwarth)의 아티스트 활동명입니다.
프랑크푸르트에서 태어나 35년간 살았고, 경제학과 정치학을 공부한 뒤 금융, 컴퓨터, 통신 산업에서 일했습니다. 이후 베를린으로 이주해 기획자, 저널리스트로 활동했으며, 예술가로써 지난 9년간 한국을 오가며 작업을 이어왔고, 퍼포먼스와 개념미술을 기반으로 작업하고 있습니다.
아타셰 데 자르(Attaché des Arts)의 게잠트쿤스트베르크 (Gesamtkunstwerk)
"웰컴–굿바이"는 긴 여정 끝에 마주하는 한 순간에 대한 탐구입니다.
누군가는 머물고 누군가는 떠나는 교차의 그 순간.
이 순간은 단순한 환영도, 작별도 아닙니다.
슬픔이나 미움, 질투, 부정적인 감정이 아닌, 미소와 포옹, 혹은 몸짓이나 언어로 나누는 평화롭고 기쁜 작별 인사의 시간입니다.
이번 전시를 통해 아타셰 데 자르는 한국에서의 여정을 마무리하며 친구들, 동료들, 예술을 사랑하는 이들과 함께 그 순간을 나누고자 합니다.
전시된 작품은 완결된 결과물이 아닌 인간의 경험과 상상, 고통과 사랑이 담긴 일련의 과정입니다. 이것은 인공지능이 흉내낼 수 없는, 진정한 창작의 방식입니다.
이번 ‘게잠트쿤스트베르크’는 설치, 사진, 음악/사운드, 퍼포먼스를 통해 그러한 순간들을 보여주고 느끼게 합니다.
아타셰 데 자르(Attaché des Arts)는 독일 베를린을 기반으로 활동하는 디르크 토르바르트 (Dirk Thorwarth)의 아티스트 활동명입니다.
프랑크푸르트에서 태어나 35년간 살았고, 경제학과 정치학을 공부한 뒤 금융, 컴퓨터, 통신 산업에서 일했습니다. 이후 베를린으로 이주해 기획자, 저널리스트로 활동했으며, 예술가로써 지난 9년간 한국을 오가며 작업을 이어왔고, 퍼포먼스와 개념미술을 기반으로 작업하고 있습니다.
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Welcome-Goodbye
"Gesamtkunstwerk" by Attaché des Arts
The title "Welcome-Goodbye" is the theme for the research of a moment after a long journey.
It is the moment when i.e. one leaves a place an oned person is staying another is leaving.
How can this moment be expressed through emotion in art?
This moment is neither a farewell nor a warm welcome.
It should not be a moment of suffering, hatred, jealousy, negative vibes, or sadness. Rather, it should be a moment of giving or receiving a smile, a hug, or saying goodbye with words or bodycount. A good moment to welcome a farewell with happiness and joy in peace.
Attaché des Arts will celebrate this moment of his journey to and in Korea with friends, colleagues, and art lovers. The presented work is not yet finished. It is a process in which human experiences, visions, pain, and love—the most important insights—are incorporated. This is different to Artificial intelligence which can neither achieve nor express authentici creativity.
This Gesamtkunstwerk conveys a sense of that. You can see and experience moments through installations, photos, music/sound, and live action.
Attaché des Arts, alias Dirk Thorwarth, is an artist based in Berlin.
He was born in Frankfurt am Main and lived there for 35 years. He studied economics and political science and worked in the finance, computer, and telecommunications business before moving to Berlin to work and establish himself as an organizer, journalist, and ultimately as an artist in the cultural and art world. For the past nine years, he has lived frequently in Korea. His work is influenced by performance and conceptual art.
2025/04/12 - 2025/04/16
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이중기호
박헤빈 이현민 정은지 최중훈 최현아
공간썬더의 첫 번째 그룹전 《이중기호》는 박혜빈, 이현민, 정은지, 최중훈, 최현아 다섯 작가의 시선을 통해 일상 속 상징들이 예술로 확장되는 과정을 선보인다. 《이중기호》라는 제목이 암시하듯, 이번 전시는 한 기호가 동시에 두 가지 이상의 의미를 가질 수 있음을 탐구한다. 표면에 드러난 의미와 그 이면에 숨어 있는 또 다른 의미가 공존할 가능성을 열어두며, 기호가 단순한 상징을 넘어 ‘선호하다’라는 행위의 의미로 확장되는 모습을 보여준다.
참여 작가들은 드로잉, 만화, 설치 등 다양한 매체를 통해 현실과 상상의 경계를 넘나들며, 기호가 지닌 여러 레이어를 섬세하게 표현한다. 그들의 작업은 구체적인 형태로 의미를 명확히 드러내기도 하고, 때로는 서사를 추상적으로 풀어내며 관객 각자가 새로운 해석을 시도할 수 있는 여지를 남긴다.
이번 전시는 관객에게 익숙한 일상적 상징들이 새로운 시선 아래 재조명되는 경험을 선사하며, 다의적 기호의 확장성과 상상력을 일깨우고자 한다. 작품과의 만남을 통해 관람객은 자신만의 시각과 경험이 녹아든 다층적 의미의 세계를 발견하게 될 것이다.
최현아
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Bi -symbolic
Park Hye-bin, Lee Hyun-min, Jung Eun-ji, Choi Jung-hoon, Choi Hyun-a
Space Thunder’s first group exhibition, Bi-Symbolic, presents the perspectives of five artists — Park Hye-bin, Lee Hyun-min, Jung Eun-ji, Choi Jung-hoon, and Choi Hyun-a — to explore how everyday symbols expand into the realm of art. As the title Bi-Symbolic suggests, this exhibition delves into the possibility that a single symbol can carry two or more meanings simultaneously. It opens up the coexistence of surface meanings and hidden layers beneath, revealing how a symbol can extend beyond mere representation into an act of “favoring” or “preferring.”
Through diverse media such as drawing, comics, and installation, the participating artists traverse the boundary between reality and imagination, delicately expressing the multiple layers of meaning inherent in symbols. Their works at times clearly articulate meaning through concrete forms, while at other times, they unfold narratives in an abstract way, leaving room for each viewer to engage in personal interpretation.
This exhibition offers visitors a re-illumination of familiar everyday symbols from a fresh perspective, aiming to awaken the imagination and expansiveness of polysemic symbols. Through their encounter with the artworks, viewers will discover a multilayered world of meaning shaped by their own perspectives and experiences.
Choi Hyun-a
2025/03/18 – 2025/03/23
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From Mexico
김남식
여행, 장소, 추억, 그리고 나의 춤!
나는 춤을 추면서 삶의 빛을 찾으려 했다.
처음 Mexico와 마주했을 때 나는 알지 못했다.
이 땅이 나에게 또 다른 나의 마음의 나라가 될것이라고.
이곳에서 만난 사람들이 나의 춤을 다시 태어나게할 줄을
스무 번이나 그 나의 마음의 나라 땅을 밟았다. 그리고 그곳 기억들이 내 몸에, 내 춤에 새겨졌다. Octavio Paz의 시에 나는 춤을 입혔었다.
프리다 칼로와 디에고 리베라의 붓질에서 고통도 민중도 사랑으로 껴안는 이치를 느꼈다.
영화제작자 길예르모 델 토로에게서 현실을 뛰어넘는 환상적 상상력을 엿봤고, 또 다른 멕시코의 영화 감독 알레한드로 곤살레스 이냐르뚜의 강렬한 서사에서 인간의 깊이를 마주했었다. 이들만이 나를 사로잡은 것은 아니다.
루피노 타마요의 색채에서 나는 영혼과 감각의 울림을 들었고
다비드 씨께이로의 벽화에서는 현실에 저항하는 자유의 몸짓을 봤다.
춤, 호세 리몬의 춤에서 나는 내 자신을 발견하는 것을 느꼈다.
그는 인간 내면을 깊이 탐구했고 그가 내는 감정에서 나는 새로운 움직임을 배웠다.
그의 작품 <무어의 파반드>에서의 드라마틱한 표현은 내 몸짓의 결을 두텁게, 그가 전통과 현대를 잇는 시도가 춤추는 남자.
나의 여정의 길잡이가 되었다.
나는 왜 춤을 추는가?
몸 언어는 결코 거짓이 아니기 때문이다.
나의 그것이 진실이어야 하고 진솔한 마음의소리를 담아야 한다는 것을 나는 멕시코를 통해 배웠다.
이 전시, 이건 나의 춤꾼으로서의 여정이자 고백이다.
멕시코라는 땅과 그 문화와 내가 끊임 없이 나누는
대화의 거울이다.
삶의 빛을 찾아나선 춤, 멕시코로 가는 길.
그래서 나는 오늘도 전시로 춤으로 이 자리에 나를 내보인다.
김남식(꽃 피는 몸 프로젝트 예술감독 )
From Mexico
김남식
여행, 장소, 추억, 그리고 나의 춤!
나는 춤을 추면서 삶의 빛을 찾으려 했다.
처음 Mexico와 마주했을 때 나는 알지 못했다.
이 땅이 나에게 또 다른 나의 마음의 나라가 될것이라고.
이곳에서 만난 사람들이 나의 춤을 다시 태어나게할 줄을
스무 번이나 그 나의 마음의 나라 땅을 밟았다. 그리고 그곳 기억들이 내 몸에, 내 춤에 새겨졌다. Octavio Paz의 시에 나는 춤을 입혔었다.
프리다 칼로와 디에고 리베라의 붓질에서 고통도 민중도 사랑으로 껴안는 이치를 느꼈다.
영화제작자 길예르모 델 토로에게서 현실을 뛰어넘는 환상적 상상력을 엿봤고, 또 다른 멕시코의 영화 감독 알레한드로 곤살레스 이냐르뚜의 강렬한 서사에서 인간의 깊이를 마주했었다. 이들만이 나를 사로잡은 것은 아니다.
루피노 타마요의 색채에서 나는 영혼과 감각의 울림을 들었고
다비드 씨께이로의 벽화에서는 현실에 저항하는 자유의 몸짓을 봤다.
춤, 호세 리몬의 춤에서 나는 내 자신을 발견하는 것을 느꼈다.
그는 인간 내면을 깊이 탐구했고 그가 내는 감정에서 나는 새로운 움직임을 배웠다.
그의 작품 <무어의 파반드>에서의 드라마틱한 표현은 내 몸짓의 결을 두텁게, 그가 전통과 현대를 잇는 시도가 춤추는 남자.
나의 여정의 길잡이가 되었다.
나는 왜 춤을 추는가?
몸 언어는 결코 거짓이 아니기 때문이다.
나의 그것이 진실이어야 하고 진솔한 마음의소리를 담아야 한다는 것을 나는 멕시코를 통해 배웠다.
이 전시, 이건 나의 춤꾼으로서의 여정이자 고백이다.
멕시코라는 땅과 그 문화와 내가 끊임 없이 나누는
대화의 거울이다.
삶의 빛을 찾아나선 춤, 멕시코로 가는 길.
그래서 나는 오늘도 전시로 춤으로 이 자리에 나를 내보인다.
김남식(꽃 피는 몸 프로젝트 예술감독 )
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From Mexico
Kim Naamseek
Travel, places, memories, and my dance!
I tried to find the light of life through my dance. When I first encountered Mexico, I did not know that this land would become the country of my heart. I did not knowthat the people I met here would bring my dance back to life.
I have stepped on this land twenty times, and the memories from there are etched into my body and my dance. I had clothed the poetry of Octavio Paz with my dance. From the brushstrokes of Frida Kahlo and Diego Rivera, I felt the wisdom of embracing pain, the people, and love.
I caught a glimpse of fantastic imagination that transcends reality from filmmaker Guillermo del Toro, and I faced the depth of humanity in the intense narratives of another Mexican filmmaker, Alejandro González Iñárritu. But it was not just these people who captivated me.
In the colors of Rufino Tamayo, I heard the resonance of the soul and senses, and in the murals of David Siqueiros, I saw the gestures of freedom resisting reality. In the dance of José Limón, I felt the discov- ery of myself. He deeply explored the human inner world, and through the emotions he expressed, I learned new movements.
The dramatic expressions in his work The Moor's Pavane thickened the texture of my gestures. His attempt to bridge tradition and modernity made him a dancing man, a guide on my journey.
Why do I dance?
Because the body language is never a lie. I learned through Mexico that mine must be truthful and carry the honest voice of my heart. This exhibition is a confession and a journey as a dancer. It is the mirror of the constant dialogue I have with the land and culture of Mexico.
The dance I embarked on to find the light of life,
the road to Mexico.
So, today, through this exhibition,
I present myself here with my dance.
Kim Naamseek, Blooming Body Project Director
From Mexico
Kim Naamseek
Travel, places, memories, and my dance!
I tried to find the light of life through my dance. When I first encountered Mexico, I did not know that this land would become the country of my heart. I did not knowthat the people I met here would bring my dance back to life.
I have stepped on this land twenty times, and the memories from there are etched into my body and my dance. I had clothed the poetry of Octavio Paz with my dance. From the brushstrokes of Frida Kahlo and Diego Rivera, I felt the wisdom of embracing pain, the people, and love.
I caught a glimpse of fantastic imagination that transcends reality from filmmaker Guillermo del Toro, and I faced the depth of humanity in the intense narratives of another Mexican filmmaker, Alejandro González Iñárritu. But it was not just these people who captivated me.
In the colors of Rufino Tamayo, I heard the resonance of the soul and senses, and in the murals of David Siqueiros, I saw the gestures of freedom resisting reality. In the dance of José Limón, I felt the discov- ery of myself. He deeply explored the human inner world, and through the emotions he expressed, I learned new movements.
The dramatic expressions in his work The Moor's Pavane thickened the texture of my gestures. His attempt to bridge tradition and modernity made him a dancing man, a guide on my journey.
Why do I dance?
Because the body language is never a lie. I learned through Mexico that mine must be truthful and carry the honest voice of my heart. This exhibition is a confession and a journey as a dancer. It is the mirror of the constant dialogue I have with the land and culture of Mexico.
The dance I embarked on to find the light of life,
the road to Mexico.
So, today, through this exhibition,
I present myself here with my dance.
Kim Naamseek, Blooming Body Project Director
2025/03/18 – 2025/03/23
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이식된 광합성
식물적 사유가 빛나는 엄기옥의 사진
사진 작품이 탄생하는 곳은 감각적 개별성의 세계이다. 세계-대상(자연, 사물, 장소 등 비인간을 비롯해 소위 피사제라 불리는 모든 것)과 만나 사진 인연을 맺으면 서로 영향을 주고받는 관계가 된다. 찍히고 찍는, 즉 피사체와 주체로서의 위지가 해체되고 상호 관계성을 형성하는 것, 나는 그것이 사진의 유정한 힘이라고 생각한다. 하지만 모든 사진가와 피사체와의 관계가 이러한 힘을 생산하는 것은 아니다. 주상적 보편의 세계에서는 좀체 형성될 수 없는 이 힘은 작가의 구체적인 경험 속에서 비로소 획득되는 것으로, 대개 비본질적이고 우연적인 형태를 이룬다.
엄기옥의 사진 작품이 그러하다. 무한히 펼쳐진 삶의 시공에서 작가가 조우한 사물들이 사진 속에서 자신의 모습을 한껏 부각하고 있다. 타원형의, 구멍이 뚫리고, 벌레가 감아 먹은 나뭇잎 한 장 한 장을 유심히 살펴본다. 땅에 떨어진 나뭇잎을 주워 촬영한 이 사진들은 '낙엽 포트레이트’로, 잎맥을 통해 나뭇잎의 네트워크가 선명하게 드러난댜 이파리가 관계 맺은 나무와 뿌리, 하늘과 바람과 별 .. 의 운행이 보인댜 소멸 직전에 촬영한 낙엽 포트레이트에 이어 엄기옥은 땅에 바짝 엎드려, 땅에서 가장 가까운 식물들을 촬영했다.
여름날 '달개비'가 이토록 우아했던가. ＇명아주’를 가까이에서 바라본
건 저음이다. 엄기옥의 카메라가 다가간 곳은 집 근저 산책길에 자라는식물들이다. 낱낱의 식물이 지닌 힘을강조하기 위해 엄기옥은 사진관에서 인물 사진을 촬영할 때 쓰이는 배경지를 생각했을 것이다. 식물이 바라보는 하늘을 배경 삼아 작고 낮은 식물의 위용을 드러내려는 의도이다. 사람의 눈높이에서는 절대로 볼 수 없는, 바로 땅을 기어다니는 벌레의 눈으로 식물과 마주하기!
엄기옥의 사진에서 푸르스름한 기운이 감도는 것이 있다. 바로 '블루 플래닛' 지구에 떨어진 땅의 별들을 형상화한 것이다. 정확히는 인위에 의해 잘려 나간 나뭇가지에서 땅으로 떨어진 나뭇잎들이다. 자신이 살았던 곳, 푸른 하늘을 꿈꾸는 나뭇잎들이 시아노타입(cyanotype) 사진이 되어 땅에 총총히 박혔다. 나뭇잎이 직접 접족해 만든 형상이어서 이 사진은 실제의 흔적으로, 세계-나뭇잎-작가를 광합(photosynthesis) 작용을 통해 연결하고 있다. 생명을 다한 나뭇잎이 사진 속에서 새롭게 광합성을 하며 조(비) 현실적인 아름다움으로 현현하고 있다.
식물적 사유가 빚나는 엄기옥의 사진 작품은 세계와 공생하려는 순연(純然)한 의지의 산물이다. 눈을 감아야 비로소 보이는 세계와 낮은 곳에서 발견할 수 있는 것들, 무엇으로도 대제 할 수 없는 특별한 가지가 따뜻하고 평화롭게 공존하고 있다• 사진가는 빚에 감응하는 존재들이다. 사진을 찍는 이와 찍히는 이가 모두 빚에 감응할 때 사진이 더욱 빚난다. 우리 주변에 있지만 무심히 지나지곤 했던 식물이 모두 주인공이 된 엄기옥의 사진 작품에서, 광합성으로 화한 생태계의 조화를본다.
최연하(미술비평가)
기획 꿈꽂팩토리 후원 후지필름 코리아
식물적 사유가 빛나는 엄기옥의 사진
사진 작품이 탄생하는 곳은 감각적 개별성의 세계이다. 세계-대상(자연, 사물, 장소 등 비인간을 비롯해 소위 피사제라 불리는 모든 것)과 만나 사진 인연을 맺으면 서로 영향을 주고받는 관계가 된다. 찍히고 찍는, 즉 피사체와 주체로서의 위지가 해체되고 상호 관계성을 형성하는 것, 나는 그것이 사진의 유정한 힘이라고 생각한다. 하지만 모든 사진가와 피사체와의 관계가 이러한 힘을 생산하는 것은 아니다. 주상적 보편의 세계에서는 좀체 형성될 수 없는 이 힘은 작가의 구체적인 경험 속에서 비로소 획득되는 것으로, 대개 비본질적이고 우연적인 형태를 이룬다.
엄기옥의 사진 작품이 그러하다. 무한히 펼쳐진 삶의 시공에서 작가가 조우한 사물들이 사진 속에서 자신의 모습을 한껏 부각하고 있다. 타원형의, 구멍이 뚫리고, 벌레가 감아 먹은 나뭇잎 한 장 한 장을 유심히 살펴본다. 땅에 떨어진 나뭇잎을 주워 촬영한 이 사진들은 '낙엽 포트레이트’로, 잎맥을 통해 나뭇잎의 네트워크가 선명하게 드러난댜 이파리가 관계 맺은 나무와 뿌리, 하늘과 바람과 별 .. 의 운행이 보인댜 소멸 직전에 촬영한 낙엽 포트레이트에 이어 엄기옥은 땅에 바짝 엎드려, 땅에서 가장 가까운 식물들을 촬영했다.
여름날 '달개비'가 이토록 우아했던가. ＇명아주’를 가까이에서 바라본
건 저음이다. 엄기옥의 카메라가 다가간 곳은 집 근저 산책길에 자라는식물들이다. 낱낱의 식물이 지닌 힘을강조하기 위해 엄기옥은 사진관에서 인물 사진을 촬영할 때 쓰이는 배경지를 생각했을 것이다. 식물이 바라보는 하늘을 배경 삼아 작고 낮은 식물의 위용을 드러내려는 의도이다. 사람의 눈높이에서는 절대로 볼 수 없는, 바로 땅을 기어다니는 벌레의 눈으로 식물과 마주하기!
엄기옥의 사진에서 푸르스름한 기운이 감도는 것이 있다. 바로 '블루 플래닛' 지구에 떨어진 땅의 별들을 형상화한 것이다. 정확히는 인위에 의해 잘려 나간 나뭇가지에서 땅으로 떨어진 나뭇잎들이다. 자신이 살았던 곳, 푸른 하늘을 꿈꾸는 나뭇잎들이 시아노타입(cyanotype) 사진이 되어 땅에 총총히 박혔다. 나뭇잎이 직접 접족해 만든 형상이어서 이 사진은 실제의 흔적으로, 세계-나뭇잎-작가를 광합(photosynthesis) 작용을 통해 연결하고 있다. 생명을 다한 나뭇잎이 사진 속에서 새롭게 광합성을 하며 조(비) 현실적인 아름다움으로 현현하고 있다.
식물적 사유가 빚나는 엄기옥의 사진 작품은 세계와 공생하려는 순연(純然)한 의지의 산물이다. 눈을 감아야 비로소 보이는 세계와 낮은 곳에서 발견할 수 있는 것들, 무엇으로도 대제 할 수 없는 특별한 가지가 따뜻하고 평화롭게 공존하고 있다• 사진가는 빚에 감응하는 존재들이다. 사진을 찍는 이와 찍히는 이가 모두 빚에 감응할 때 사진이 더욱 빚난다. 우리 주변에 있지만 무심히 지나지곤 했던 식물이 모두 주인공이 된 엄기옥의 사진 작품에서, 광합성으로 화한 생태계의 조화를본다.
최연하(미술비평가)
기획 꿈꽂팩토리 후원 후지필름 코리아
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Transplanted Photosynthesis
The Radiance of Vegetal Thinking in Eom Ki Ock's Photography
In the infinite expanse of time and space, objects encountered by the artist assert their presence within the frame. One by one, she examines elliptical, perforated, insect eaten leaves with meticulous attention. The photographs, taken of fallen leaves retrieved from the ground, transform into 'Leaf Portraits'. Through their intricate venation, the network of the leaf becomes distinctly visible, revealing its intimate connection with the tree it once belonged to, its roots, the sky, the wind, and even the celestial movements of the stars. Following these leaf portraits, captured just before their complete decay, Eom Ki Ock then turned her gaze toward the plants growing closest to the earth. Was the dayflower ever so elegant on a summer day. Have ever truly observed the lamb's quarters up close. The artist's camera approached the modest flora along her neighborhood walking trail. To emphasize the unique force of each plant, she must have envisioned the backdrops used in portrait photography studios, a conscious attempt to elevate these humble plants, positioning the sky they gaze upon as their grand background. This perspective allows us to meet them from a bug's eye view, an angle that no human gaze could naturally adopt.
A bluish aura pervades Eom Ki Ock's work, evoking an image of 'Blue Planet' Earth, where fallen stars of the land are reimagined. These stars are, in fact, leaves that were severed from branches due to human intervention. Leaves that once reached for the blue sky, now dream of it from the ground, transformed into cyanotype photographs, scattered like constellations. Since these images are created through direct contact with the leaves, they are impressions of reality itself, forming a symbiotic link between the world, the leaf, and the artist, connected through a process akin to photosynthesis. Leaves that have exhausted their life cycle reawaken in the photographic realm, performing a new kind of photosynthesis, manifesting an (un)real beauty that is both surreal and tangible.
Eom Ki Ock's photographs, imbued with a vegetal way of thinking, are the outcome of an earnest desire to coexist harmoniously with the world. They reveal the world seen only with closed eyes, the discoveries found only at the lowest vantage points. They embody an irreplaceable and singular value, one that coexists in warmth and tranquility. Photographers are beings attuned to light, and a photograph truly shines when both the photographer and the subject respond to light together. In Eom Ki Ock's works, where the plants that we often overlook have become the main protagonists, we witness the harmonious ecology of photosynthesis materialized into art.
The Radiance of Vegetal Thinking in Eom Ki Ock's Photography
In the infinite expanse of time and space, objects encountered by the artist assert their presence within the frame. One by one, she examines elliptical, perforated, insect eaten leaves with meticulous attention. The photographs, taken of fallen leaves retrieved from the ground, transform into 'Leaf Portraits'. Through their intricate venation, the network of the leaf becomes distinctly visible, revealing its intimate connection with the tree it once belonged to, its roots, the sky, the wind, and even the celestial movements of the stars. Following these leaf portraits, captured just before their complete decay, Eom Ki Ock then turned her gaze toward the plants growing closest to the earth. Was the dayflower ever so elegant on a summer day. Have ever truly observed the lamb's quarters up close. The artist's camera approached the modest flora along her neighborhood walking trail. To emphasize the unique force of each plant, she must have envisioned the backdrops used in portrait photography studios, a conscious attempt to elevate these humble plants, positioning the sky they gaze upon as their grand background. This perspective allows us to meet them from a bug's eye view, an angle that no human gaze could naturally adopt.
A bluish aura pervades Eom Ki Ock's work, evoking an image of 'Blue Planet' Earth, where fallen stars of the land are reimagined. These stars are, in fact, leaves that were severed from branches due to human intervention. Leaves that once reached for the blue sky, now dream of it from the ground, transformed into cyanotype photographs, scattered like constellations. Since these images are created through direct contact with the leaves, they are impressions of reality itself, forming a symbiotic link between the world, the leaf, and the artist, connected through a process akin to photosynthesis. Leaves that have exhausted their life cycle reawaken in the photographic realm, performing a new kind of photosynthesis, manifesting an (un)real beauty that is both surreal and tangible.
Eom Ki Ock's photographs, imbued with a vegetal way of thinking, are the outcome of an earnest desire to coexist harmoniously with the world. They reveal the world seen only with closed eyes, the discoveries found only at the lowest vantage points. They embody an irreplaceable and singular value, one that coexists in warmth and tranquility. Photographers are beings attuned to light, and a photograph truly shines when both the photographer and the subject respond to light together. In Eom Ki Ock's works, where the plants that we often overlook have become the main protagonists, we witness the harmonious ecology of photosynthesis materialized into art.
Choi Yeon Ha (Art Critic)
PlanningㅣDream Flower Factory
Support ㅣ FUJIFILM KOREA
Support ㅣ FUJIFILM KOREA
2025/03/08 – 2025/03/16
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하루 더 마켓 - 도쿄
강병관, 김승호, 김덕원, 김동희, 김철승, 박태욱, 이미향, 이지원, 변해석, 성남훈, 송현, 양병만, 이강원, 이강호, 이희인, 정은지, 최미향, 함선아, 벨루가, 이재정, 임미숙, 조윤주, 지민
서울에서 만나는 <천 개의 카메라 - 도쿄> 워크숍 보고전시와 기부 마켓
서울에서 만나는 <천개의 카메라 – 도쿄> 워크숍에서 기록한 다채로운 도쿄의 사진을 판매해 기부하는 전시입니다. 워크숍에 참여한 24명의 사진가들의 저시 오프닝에는 <하루 더 마켓 + 파티>가 어우러지고, 작품은 공히 10만원에 판매됩니다.
이를 통해 모아진 기금은 후지필름 코리아의 후원금과 함께 필요한 곳에 전하는 나눔 활동을 진행합니다. 후지필름 코리아는 사진을 통해 더욱 글로벌한 공감을 형성하고, 공익적 나눔을 통해 사진가들과 더욱 큰 보람을 나누려 합니다.
하루 더 마켓
2025.03.01 토요일 오후 3시
작가들과 소통하고 작품을 구매할 수 있는 기부 마켓과 파티
기부 마켓 전시
2025/02/27 - 2025/03/06
11am - 6pm
주최 ㅣ 후지필름 코리아
협력 ㅣ 월간사진 사진바다 꿈꽃팩토리
강병관, 김승호, 김덕원, 김동희, 김철승, 박태욱, 이미향, 이지원, 변해석, 성남훈, 송현, 양병만, 이강원, 이강호, 이희인, 정은지, 최미향, 함선아, 벨루가, 이재정, 임미숙, 조윤주, 지민
서울에서 만나는 <천 개의 카메라 - 도쿄> 워크숍 보고전시와 기부 마켓
서울에서 만나는 <천개의 카메라 – 도쿄> 워크숍에서 기록한 다채로운 도쿄의 사진을 판매해 기부하는 전시입니다. 워크숍에 참여한 24명의 사진가들의 저시 오프닝에는 <하루 더 마켓 + 파티>가 어우러지고, 작품은 공히 10만원에 판매됩니다.
이를 통해 모아진 기금은 후지필름 코리아의 후원금과 함께 필요한 곳에 전하는 나눔 활동을 진행합니다. 후지필름 코리아는 사진을 통해 더욱 글로벌한 공감을 형성하고, 공익적 나눔을 통해 사진가들과 더욱 큰 보람을 나누려 합니다.
하루 더 마켓
2025.03.01 토요일 오후 3시
작가들과 소통하고 작품을 구매할 수 있는 기부 마켓과 파티
기부 마켓 전시
2025/02/27 - 2025/03/06
11am - 6pm
주최 ㅣ 후지필름 코리아
협력 ㅣ 월간사진 사진바다 꿈꽃팩토리
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A Day.
The Bazzar. Tokyo
Kang Byung-kwan, Kim Seung-ho, Kim Deok-won, Kim Dong-hee, Kim Cheol-seung, Park Tae-wook, Lee Mi-hyang, Lee Ji-won, Byun Hae-seok, Seong Nam-hoon, Song Hyun, Yang Byung-man, Lee Kang-won, Lee Kang-ho, Lee Hee-in, Jeong Eun-ji, Choi Mi-hyang, Ham Seon-a, Beluga, Lee Jae-jung, Im Mi-sook, Jo Yoon-joo, Ji Min
This exhibition features a collection of vibrant photographs of Tokyo, captured during the <FUJIFILM Global Photography Network Exhibition & Work- shop - Tokyo>. These images, taken by 24 participating photographers, will be showcased and sold as part of a charitable initiative. At the opening event, 'A Day, The Bazzar Tokyo' will take place, adding a festive atmosphere. All artworks will be sold at a uniform price of 100,000 KRW.
The funds raised from this exhibition, along with contributions from FUJIFILM Korea, will be donated to support meaningful causes. FUJIFILM Korea aims to foster a deeper global connection through photography and share a sense of fulfillment with photographers by contributing to public.
A Day, The Bazzar. Tokyo
2025/03/01 Saturday 3pm
A donation market and party where you can communicate with artists and purchase artworks.
Exhibition
2025/02/27 - 2025/03/06
11am - 6pm
Host ㅣ FUJIFILM KOREA
Support ㅣ Monthly Photo, PhotoBada, Dream Flower Factory
Kang Byung-kwan, Kim Seung-ho, Kim Deok-won, Kim Dong-hee, Kim Cheol-seung, Park Tae-wook, Lee Mi-hyang, Lee Ji-won, Byun Hae-seok, Seong Nam-hoon, Song Hyun, Yang Byung-man, Lee Kang-won, Lee Kang-ho, Lee Hee-in, Jeong Eun-ji, Choi Mi-hyang, Ham Seon-a, Beluga, Lee Jae-jung, Im Mi-sook, Jo Yoon-joo, Ji Min
This exhibition features a collection of vibrant photographs of Tokyo, captured during the <FUJIFILM Global Photography Network Exhibition & Work- shop - Tokyo>. These images, taken by 24 participating photographers, will be showcased and sold as part of a charitable initiative. At the opening event, 'A Day, The Bazzar Tokyo' will take place, adding a festive atmosphere. All artworks will be sold at a uniform price of 100,000 KRW.
The funds raised from this exhibition, along with contributions from FUJIFILM Korea, will be donated to support meaningful causes. FUJIFILM Korea aims to foster a deeper global connection through photography and share a sense of fulfillment with photographers by contributing to public.
A Day, The Bazzar. Tokyo
2025/03/01 Saturday 3pm
A donation market and party where you can communicate with artists and purchase artworks.
Exhibition
2025/02/27 - 2025/03/06
11am - 6pm
Host ㅣ FUJIFILM KOREA
Support ㅣ Monthly Photo, PhotoBada, Dream Flower Factory
2025/02/27 – 2025/03/06
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공간, 장소가 되다
김경희
공간’을 ‘장소’로 탈바꿈하는 카메라
‘세태소설 : 어떤 특정한 시기의 풍속이나 세태의 한 단면을 묘사하는 것을 목적으로 하는 소설 양식.’ - 『한국민족문화대백과』
세태소설이란 장르가 있다. 백과사전의 모호한 정의를 대신해 말하자면, 특출한 한두 명 주인공의 극적인 드라마를 보여주기보다 비교적 여러 명의 조연 같은 주연들이 저마다의 이야기를 보여(들려)줌으로써 한 시대, 한 공간의 벽화를 그려내는 소설이라 할 수 있을 것이다. 영웅적이거나 비극적인 인물의 삶을 통해 교훈을 얻기보다 시대와 지역을 공유하는 사람들의 삶을 통해 시대의 조감도를 엿볼 수 있는 소설이라 할 수도 있을 것이다. 그렇다면, 이거야말로 차분하고 세심한 다큐멘터리 사진들이 해온 일과 닿아있지 않을까.
우리 문학사의 대표적인 세태소설로 흔히 1930년대 나온 박태원의 『천변풍경』을 꼽는다. 그 소설에는 1930년대 서울 청계천을 중심으로 살아가는 다양한 인간군상들의 삶이 담겨 있다. 또 다른 훌륭한 세태소설로 꼽히는 양귀자의 『원미동 사람들』에는 1980년대 서울 주변 위성도시의 일상적인 삶의 풍경이 담겨 있다. 1930년대 서울과 1980년대 수도권 위성도시의 삶이 어떠했는지 알고 싶다면, 그 시대를 카메라에 담은 사진가들의 다큐멘터리 사진과 함께 박태원, 양귀자의 소설을 함께 읽어보면 좋을 것이다.
카메라라는 도구는 참 다재다능한 도구여서, 우리는 카메라로 시를 쓸 수도 있고 견고한 보고서를 작성할 수도 있으며 때론 잔잔한 에세이나 격정적인 소설을 창작할 수도 있을 것이다. 사진가 김경희가 한해 넘게 을지로라는 문제적 공간을 담아온 사진들은, 문학으로 치면 자못 세태소설스럽다. 적극적으로 개입하지 않아 무심한 척하지만, 또 그렇다고 피사체들로부터 멀리 떨어져 있지도 않다. 이 사진들 속에는 2020년대 초중반의 을지로의 세태가 담겨 있다. 이들 사진에는 결과물로 흔적을 남긴 사진 안쪽의 도상들 이외에, 김경희가 차분하게 진행해온 관찰과 성찰, 또 그 피사체가 된 공간, 사물, 사람들과의 공감의 정서가 스미고 배어 있다. 을지로 4가 공구상가를 은유하다시피 하는 쇠망치나 용접마스크 등 사물들을 대할 때에는 그 시선이 가만하며, 이 골목을 오래 지켜온 사람들을 카메라에 담을 때에는 자못 유머러스하기까지 하다. 그 모든 것이 어울려 사진적인 세태소설을 쓰고 있다.
인문 지리학의 세계적인 석학인 이 푸 투안은 그의 대표 저서 『공간과 장소』에서 ‘공간에 우리의 경험과 삶, 애착이 녹아들 때 그곳은 장소가 된다’고 하며 ‘공간’과 ‘장소’를 구분하고 있다. 우리가 모르는 무수한 어떤 곳들이 여전히 무심한 ‘공간’으로 남아있지만, 거기에 우리의 경험과 정서가 깃들 때 그곳은 우리에게 유의미한 ‘장소’로 탈바꿈한다는 것이다. 그렇다면 관찰의 도구이자 사색의 계기인 카메라만큼이나 ‘공간’을 ‘장소’로 탈바꿈하는 마법의 장치가 또 있을까? 그것은 카메라를 들고 그 공간으로 뛰어든 사진가뿐 아니라, 그 사진들을 바라보게 될 관람자에게도 일어나는 일이다. 특별히 을지로 4가 사업장의 사장님들이 꽃을 들고 찍힌 사진들은, 바로 그런 무색 무취 무미한 을지로라는 ‘공간’을 향기로 가득 채운 ‘장소’로 탈바꿈하는 작업으로까지 승화된다. 세태소설스러운 면모를 보이다가도 이런 사진들에서는 작가의 개입과 연출이 두드러진다. 이 사진들을 보노라면, 언제가는 공간과 장소의 구분조차 허락하지 않으며 무자비한 빌딩 숲으로 뒤바뀔지 모를 이 골목의 운명에 대해 연민과 불안, 현기증까지 느끼게 된다. 그렇다면, 이거야말로 차분하고 세심한 다큐멘터리 사진들이 해온 일과 닿아있지 않은가.
이희인 (시각예술 연구자)
김경희
공간’을 ‘장소’로 탈바꿈하는 카메라
‘세태소설 : 어떤 특정한 시기의 풍속이나 세태의 한 단면을 묘사하는 것을 목적으로 하는 소설 양식.’ - 『한국민족문화대백과』
세태소설이란 장르가 있다. 백과사전의 모호한 정의를 대신해 말하자면, 특출한 한두 명 주인공의 극적인 드라마를 보여주기보다 비교적 여러 명의 조연 같은 주연들이 저마다의 이야기를 보여(들려)줌으로써 한 시대, 한 공간의 벽화를 그려내는 소설이라 할 수 있을 것이다. 영웅적이거나 비극적인 인물의 삶을 통해 교훈을 얻기보다 시대와 지역을 공유하는 사람들의 삶을 통해 시대의 조감도를 엿볼 수 있는 소설이라 할 수도 있을 것이다. 그렇다면, 이거야말로 차분하고 세심한 다큐멘터리 사진들이 해온 일과 닿아있지 않을까.
우리 문학사의 대표적인 세태소설로 흔히 1930년대 나온 박태원의 『천변풍경』을 꼽는다. 그 소설에는 1930년대 서울 청계천을 중심으로 살아가는 다양한 인간군상들의 삶이 담겨 있다. 또 다른 훌륭한 세태소설로 꼽히는 양귀자의 『원미동 사람들』에는 1980년대 서울 주변 위성도시의 일상적인 삶의 풍경이 담겨 있다. 1930년대 서울과 1980년대 수도권 위성도시의 삶이 어떠했는지 알고 싶다면, 그 시대를 카메라에 담은 사진가들의 다큐멘터리 사진과 함께 박태원, 양귀자의 소설을 함께 읽어보면 좋을 것이다.
카메라라는 도구는 참 다재다능한 도구여서, 우리는 카메라로 시를 쓸 수도 있고 견고한 보고서를 작성할 수도 있으며 때론 잔잔한 에세이나 격정적인 소설을 창작할 수도 있을 것이다. 사진가 김경희가 한해 넘게 을지로라는 문제적 공간을 담아온 사진들은, 문학으로 치면 자못 세태소설스럽다. 적극적으로 개입하지 않아 무심한 척하지만, 또 그렇다고 피사체들로부터 멀리 떨어져 있지도 않다. 이 사진들 속에는 2020년대 초중반의 을지로의 세태가 담겨 있다. 이들 사진에는 결과물로 흔적을 남긴 사진 안쪽의 도상들 이외에, 김경희가 차분하게 진행해온 관찰과 성찰, 또 그 피사체가 된 공간, 사물, 사람들과의 공감의 정서가 스미고 배어 있다. 을지로 4가 공구상가를 은유하다시피 하는 쇠망치나 용접마스크 등 사물들을 대할 때에는 그 시선이 가만하며, 이 골목을 오래 지켜온 사람들을 카메라에 담을 때에는 자못 유머러스하기까지 하다. 그 모든 것이 어울려 사진적인 세태소설을 쓰고 있다.
인문 지리학의 세계적인 석학인 이 푸 투안은 그의 대표 저서 『공간과 장소』에서 ‘공간에 우리의 경험과 삶, 애착이 녹아들 때 그곳은 장소가 된다’고 하며 ‘공간’과 ‘장소’를 구분하고 있다. 우리가 모르는 무수한 어떤 곳들이 여전히 무심한 ‘공간’으로 남아있지만, 거기에 우리의 경험과 정서가 깃들 때 그곳은 우리에게 유의미한 ‘장소’로 탈바꿈한다는 것이다. 그렇다면 관찰의 도구이자 사색의 계기인 카메라만큼이나 ‘공간’을 ‘장소’로 탈바꿈하는 마법의 장치가 또 있을까? 그것은 카메라를 들고 그 공간으로 뛰어든 사진가뿐 아니라, 그 사진들을 바라보게 될 관람자에게도 일어나는 일이다. 특별히 을지로 4가 사업장의 사장님들이 꽃을 들고 찍힌 사진들은, 바로 그런 무색 무취 무미한 을지로라는 ‘공간’을 향기로 가득 채운 ‘장소’로 탈바꿈하는 작업으로까지 승화된다. 세태소설스러운 면모를 보이다가도 이런 사진들에서는 작가의 개입과 연출이 두드러진다. 이 사진들을 보노라면, 언제가는 공간과 장소의 구분조차 허락하지 않으며 무자비한 빌딩 숲으로 뒤바뀔지 모를 이 골목의 운명에 대해 연민과 불안, 현기증까지 느끼게 된다. 그렇다면, 이거야말로 차분하고 세심한 다큐멘터리 사진들이 해온 일과 닿아있지 않은가.
이희인 (시각예술 연구자)
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A Space into the Place
Kim Kyung Hee
The Camera that Transforms ‘Space’ into ‘Place’
‘Setae Novel(Social Realism): A novel genre that aims to depict a cross-section of the customs or social trends of a particular period.’ – Korean National Cultural Encyclopedia
There is a genre called Setae novel. To elaborate beyond the vague definition found in encyclopedias, rather than portraying a dramatic story of one or two extraordinary protagonists, these novels present the stories of multiple supporting characters who each contribute to painting a mural of an era and its space. Instead of extracting lessons from heroic or tragic figures, these novels allow readers to glimpse a panoramic view of the times through the lives of those who share the same historical and geographical context. In this sense, doesn’t this approach closely align with what calm and meticulous documentary photography has been doing all along?
One of the most representative Sesae novels in Korean literary history is Riverside Scenery (천변풍경) by Park Tae-won, published in the 1930s. This novel captures the lives of various people living around Cheonggyecheon, Seoul, in the 1930s. Another widely recognized Sesae novel, People of Wonmi-dong (원미동 사람들) by Yang Gui-ja, presents everyday life in a satellite city near Seoul in the 1980s. If one wishes to understand life in 1930s Seoul or a suburban city in the 1980s, reading these novels alongside documentary photographs of the respective eras would be enlightening.
The camera is a remarkably versatile tool - it can be used to write poetry, craft detailed reports, and even create serene essays or passionate novels. The photographs that Kim Kyung Hee has taken of Euljiro over more than a year resemble a Sesae novel in literature. They appear indifferent by not intervening too aggressively, yet they do not remain distant from their subjects either. These images encapsulate the social landscape of Euljiro in the early-to-mid 2020s. Beyond the visual traces captured in the photographs, they also carry the photographer’s patient observations, reflections, and empathetic engagement with the spaces, objects, and people depicted. When facing tools like hammers or welding masks—symbols of the Euljiro 4-ga industrial district—her gaze remains composed, while portraits of the long-time residents of these alleyways even exude a subtle sense of humor. Together, they compose a photographic Sesae novel.
Yi Fu Tuan, a globally renowned scholar of human geography, differentiates between "space" and "place" in his seminal book Space and Place. He states that a location becomes a place when our experiences, lives, and emotional attachments become infused into it. Many places remain as indifferent, abstract spaces, but once our experiences and emotions take root, they are transformed into meaningful places. What, then, is more magical in turning "space" into "place" than the camera? This transformation occurs not only for the photographer who immerses themselves in a location but also for those who view these photographs. In particular, the images of Euljiro 4-ga shop owners holding flowers elevate this transformation even further, filling the once colorless, scentless space of Euljiro with fragrance and meaning, turning it into a place. While much of Kim Kyung Hee’s photography follows a Sesae novel-like approach, these staged and directed photographs reveal a more pronounced artistic intervention. Viewing these images evokes a sense of empathy, unease, and even vertigo as one contemplates the uncertain future of these alleys, which may one day be swallowed by an unforgiving forest of skyscrapers, erasing the distinction between "space" and "place" altogether. And in this, once again, doesn’t her work align with what calm and meticulous documentary photography has always sought to do?
Lee Hee-in (Visual Arts Researcher)
Kim Kyung Hee
The Camera that Transforms ‘Space’ into ‘Place’
‘Setae Novel(Social Realism): A novel genre that aims to depict a cross-section of the customs or social trends of a particular period.’ – Korean National Cultural Encyclopedia
There is a genre called Setae novel. To elaborate beyond the vague definition found in encyclopedias, rather than portraying a dramatic story of one or two extraordinary protagonists, these novels present the stories of multiple supporting characters who each contribute to painting a mural of an era and its space. Instead of extracting lessons from heroic or tragic figures, these novels allow readers to glimpse a panoramic view of the times through the lives of those who share the same historical and geographical context. In this sense, doesn’t this approach closely align with what calm and meticulous documentary photography has been doing all along?
One of the most representative Sesae novels in Korean literary history is Riverside Scenery (천변풍경) by Park Tae-won, published in the 1930s. This novel captures the lives of various people living around Cheonggyecheon, Seoul, in the 1930s. Another widely recognized Sesae novel, People of Wonmi-dong (원미동 사람들) by Yang Gui-ja, presents everyday life in a satellite city near Seoul in the 1980s. If one wishes to understand life in 1930s Seoul or a suburban city in the 1980s, reading these novels alongside documentary photographs of the respective eras would be enlightening.
The camera is a remarkably versatile tool - it can be used to write poetry, craft detailed reports, and even create serene essays or passionate novels. The photographs that Kim Kyung Hee has taken of Euljiro over more than a year resemble a Sesae novel in literature. They appear indifferent by not intervening too aggressively, yet they do not remain distant from their subjects either. These images encapsulate the social landscape of Euljiro in the early-to-mid 2020s. Beyond the visual traces captured in the photographs, they also carry the photographer’s patient observations, reflections, and empathetic engagement with the spaces, objects, and people depicted. When facing tools like hammers or welding masks—symbols of the Euljiro 4-ga industrial district—her gaze remains composed, while portraits of the long-time residents of these alleyways even exude a subtle sense of humor. Together, they compose a photographic Sesae novel.
Yi Fu Tuan, a globally renowned scholar of human geography, differentiates between "space" and "place" in his seminal book Space and Place. He states that a location becomes a place when our experiences, lives, and emotional attachments become infused into it. Many places remain as indifferent, abstract spaces, but once our experiences and emotions take root, they are transformed into meaningful places. What, then, is more magical in turning "space" into "place" than the camera? This transformation occurs not only for the photographer who immerses themselves in a location but also for those who view these photographs. In particular, the images of Euljiro 4-ga shop owners holding flowers elevate this transformation even further, filling the once colorless, scentless space of Euljiro with fragrance and meaning, turning it into a place. While much of Kim Kyung Hee’s photography follows a Sesae novel-like approach, these staged and directed photographs reveal a more pronounced artistic intervention. Viewing these images evokes a sense of empathy, unease, and even vertigo as one contemplates the uncertain future of these alleys, which may one day be swallowed by an unforgiving forest of skyscrapers, erasing the distinction between "space" and "place" altogether. And in this, once again, doesn’t her work align with what calm and meticulous documentary photography has always sought to do?
Lee Hee-in (Visual Arts Researcher)
2025/02/08 - 2025/02/16
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하루 더 마켓
성남훈, 고세호, 구의진, 김철승, 이강호, 이미향, 이민경, 이지원, 박종현, 피희순,함형열, 권영준, 김영섭, 양병만
서울에서 만나는 <천 개의 카메라 - 치앙마이> 전시와 기부 마켓
다가오는 연말, 서울에서 특별한 전시와 기부 마켓이 개최된다. <하루 더 마켓: 서울에서 만나는 천 개의 카메라 - 치앙마이>는 치앙마이의 다채로운 모습을 담은 사진과 스토리를 통해 하루 더 만나보는 연말 크리스마스의 따뜻한 분위기의 설렘을 전달하는 전시이다.
전시는 후지필름 글로벌 사진 네트워크 전시, 워크숍 <천 개의 카메라 - 치앙마이> 프로젝트의 워크숍에 참여한 15명의 사진가가 기록한 치앙마이의 삶, 문화, 풍경 사진과 이야기가 공간 전체를 채우며, 전시 첫날은 하루 더 파티와 전시 기간에는 기부 마켓이 함께 진행될 예정이다.
전시되는 사인본 작품은 공히 10만원에 판매되며, 예술로 힐링이 필요한 서울 녹색병원 전시에 사용된다. 참가 작가들의 따뜻한 감성을 담고 있어 연말연시 찾아오는 관람객들에게 예술적 감동과 영감을 전해 줄 것이다.
성남훈, 고세호, 구의진, 김철승, 이강호, 이미향, 이민경, 이지원, 박종현, 피희순,함형열, 권영준, 김영섭, 양병만
서울에서 만나는 <천 개의 카메라 - 치앙마이> 전시와 기부 마켓
다가오는 연말, 서울에서 특별한 전시와 기부 마켓이 개최된다. <하루 더 마켓: 서울에서 만나는 천 개의 카메라 - 치앙마이>는 치앙마이의 다채로운 모습을 담은 사진과 스토리를 통해 하루 더 만나보는 연말 크리스마스의 따뜻한 분위기의 설렘을 전달하는 전시이다.
전시는 후지필름 글로벌 사진 네트워크 전시, 워크숍 <천 개의 카메라 - 치앙마이> 프로젝트의 워크숍에 참여한 15명의 사진가가 기록한 치앙마이의 삶, 문화, 풍경 사진과 이야기가 공간 전체를 채우며, 전시 첫날은 하루 더 파티와 전시 기간에는 기부 마켓이 함께 진행될 예정이다.
전시되는 사인본 작품은 공히 10만원에 판매되며, 예술로 힐링이 필요한 서울 녹색병원 전시에 사용된다. 참가 작가들의 따뜻한 감성을 담고 있어 연말연시 찾아오는 관람객들에게 예술적 감동과 영감을 전해 줄 것이다.
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One More Day Market
Sung Nam-hoon, Ko Se-ho, Koo Eui-jin, Kim Cheol-seung, Lee Kang-ho, Lee Mi-hyang, Lee Min-kyung, Lee Ji-won, Park Jong-hyun, Pi Hee-soon, Ham Hyeong-yeol, Kwon Young-jun, Kim Young-seob, Yang Byung-man
<A Thousand Cameras – Chiang Mai> Exhibition and Donation Market in Seoul
This upcoming holiday season, a special exhibition and donation market will be held in Seoul. <One More Day Market: A Thousand Cameras Meet in Seoul – Chiang Mai> is an exhibition that conveys the warmth and excitement of the Christmas season by showcasing the vibrant charm of Chiang Mai through photographs and stories, offering visitors a chance to experience "one more day" of joy.
Sung Nam-hoon, Ko Se-ho, Koo Eui-jin, Kim Cheol-seung, Lee Kang-ho, Lee Mi-hyang, Lee Min-kyung, Lee Ji-won, Park Jong-hyun, Pi Hee-soon, Ham Hyeong-yeol, Kwon Young-jun, Kim Young-seob, Yang Byung-man
<A Thousand Cameras – Chiang Mai> Exhibition and Donation Market in Seoul
This upcoming holiday season, a special exhibition and donation market will be held in Seoul. <One More Day Market: A Thousand Cameras Meet in Seoul – Chiang Mai> is an exhibition that conveys the warmth and excitement of the Christmas season by showcasing the vibrant charm of Chiang Mai through photographs and stories, offering visitors a chance to experience "one more day" of joy.
The exhibition features works by 15 photographers who participated in the <A Thousand Cameras – Chiang Mai> project workshop, part of Fujifilm's global photography network. Their photographs and stories, capturing the lives, culture, and landscapes of Chiang Mai, will fill the entire space. On the opening day, a "One More Day Party" will take place, and a donation market will run throughout the exhibition period.
Signed prints will be available for purchase at a uniform price of 100,000 KRW, with proceeds supporting an art exhibition at Seoul Green Hospital to provide healing through art. Filled with the warm sensibilities of the participating artists, this exhibition promises to inspire and move visitors, adding a touch of artistic joy to their holiday season.
2024/12/28 - 2025/01/12