<우연, 이후>


문지훈


유리잔 속으로 물감이 스며드는 찰나, 통제에서 벗어나 색은 자유롭게 퍼지고, 뒤엉키며, 가라앉는다. 이 예측 불가능한 흐름 앞에서 우리는 목격자가 된다. 이 목격의 순간이 결과의 끝이 아닌 결과를 향한 새로운 시작이다. 이번 전시 <우연, 이후>는 바로 그 이후를 다루며 우연이 휩쓸고 지나간 자리에서 우리는 무엇을 발견하고, 어떻게 재구성될 것인가에 대한 집요한 질문이다.

캔버스 위에 층층이 쌓인 색의 궤적들은 유리잔 속에서 목격한 순간들의 잔향이다. 서로 밀어내고 스며들며 형성된 유기적인 덩어리들은 우리가 알지 못하는 곳이나 기억 저편에 흐릿하게 남아 있는 풍경처럼. 특정한 장소를 지시하지 않고 근원적인 환경을 암시한다. 이 배경 위로 떠오르는 비정형의 형상들은 본래 유리잔 표면에 맺혔던 빛의 형상들이다. 정처 없이 부유하면서도 화면 안에 머무르고자 하는 이들의 움직임은, 낯선 세계 속에서 끊임없이 자신의 자리를 찾고 적응해 나가는 우리의 실존적 모습과 닮아 있다.

유리막을 사이에 두고 결코 섞일 수 없었던 두 세계인 잔 속의 색과 잔 위의 빛, 이 두 요소의 조우는 물리적 세계에서 불가능한 만남을 회화의 평면 위에서 실현한다. 단절의 벽을 허물고, 서로 다른 영역에 머물던 우연의 파편들을 하나의 새로운 질서 안으로 불러들이는 것이 바로 우연, 이후의 실천이다.

결국 화면 속 비정형의 형상들 사이에서 의미를 발견하는 주체는 관람자이다. 정해진 형태가 없기에 무엇으로도 해석될 수 있는 이 세계는, 보는 이의 시각적 기억과 내면의 감각을 건드리며 각자의 경험을 연결한다. 작가가 우연 속에서 질서를 발견했듯, 관람객 또한 이 낯선 풍경 속에서 자신만의 세계를 재구성하길 바란다. 우연이 남긴 파편들이 하나의 장면으로 응축되는 이 공간에서 우리는 무엇이든 될 수 있는 존재의 무한한 가능성을 마주하게 된다.

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<After Chance>


 Moon Jihoon


In the fleeting moment when paint seeps into a glass of water, freed from control, color spreads, entangles, and sinks. Before this unpredictable flow, we become witnesses. This moment of witnessing is not the end of a result, but a new beginning toward one. The exhibition After Chance deals precisely with what comes after—posing a persistent question: in the wake of chance as it sweeps through, what do we discover, and how do we reconstruct it?

The layered traces of color on the canvas are echoes of those moments witnessed within the glass. The organic masses, formed as colors push against and permeate one another, resemble landscapes that linger vaguely in places unknown to us or deep within memory. Without pointing to any specific location, they suggest a more primordial environment. Emerging upon this background are amorphous forms, originally shaped by light resting on the surface of the glass. Drifting without destination yet seeking to remain within the frame, their movement mirrors our own existential condition—constantly searching for a place and adapting within an unfamiliar world.

Separated by a glass barrier, the two worlds—the color within and the light upon the glass—could never truly mix. Yet their encounter is realized on the flat surface of painting, achieving a meeting that is impossible in the physical world. Breaking down the wall of separation and drawing fragments of chance from different realms into a new order—this is the very practice of After Chance.

Ultimately, it is the viewer who discovers meaning among these amorphous forms. Without fixed shapes, this world can be interpreted as anything, engaging the viewer’s visual memory and inner sensibility to connect with their own experiences. Just as the artist found order within chance, the viewer is invited to reconstruct their own world within this unfamiliar landscape. In this space, where fragments left behind by chance condense into a single scene, we are confronted with the infinite potential of becoming anything.

now on thunder


<steady>


이선희


흔들리는 안온(安穩), 그 그림자의 재구성

기억의 잔흔과 결핍의 공간

누구에게나 ‘집’은 보편적인 안식의 기표로 통용되지만, 어떤 이에게 그곳은 가장 날 선 불안과 결핍이 발아한 장소이기도 하다. 어린 시절의 집은 안온함보다는 결핍의 기억이 먼저 고이는 공간이었다. 이번 전시는 있는 그대로의 불안과 공존하려는 실존적 태도에서 출발한다.

이상적 공간에 흐르는 미묘한 균열

화면이 비추는 곳은 과거의 재현이 아닌 ‘이상적인 공간’이다. 그러나 이 공간은 외부와 완전히 차단된 완벽한 요새가 아니다. 일견 평온해 보이는 실내외의 풍경 속에는 여전히 설명하기 어려운 불편함과 긴장이 흐른다. 이는 결핍을 제거해야 할 대상이 아닌, 나를 구성하는 본질적인 바탕으로 인정하고 있음을 보여준다. 불안마저 삶의 일부로 수용된 ‘불완전한 안온함’을 회화적 언어로 치환한다.

이 서사를 지탱하는 핵심적인 조형 요소는 그림자이다. 그림자를 단순히 빛의 부산물로 두지 않고, 때로는 형태를 하나로 뭉치고 때로는 파편화하여 분절시킨다. 여기에 다각도의 시점과 낯선 색채의 변주를 더함으로써 공간이 지닌 본래의 안정성을 의도적으로 흔들어 놓는다. 이러한 시각적 장치는 관람자로 하여금 익숙한 공간에서 미묘한 긴장을 감각하게 만든다. 견고해 보이던 벽면과 바닥이 그림자의 변주에 의해 일렁일 때, 우리는 비로소 ‘결핍과 공존하는 공간’의 실체를 마주하게 된다.

이는 지극히 사적인 기억에서 발원했으나, 화면 위에 구현된 긴장과 휴식의 기묘한 동거는 우리 모두의 보편적인 감각을 건드린다. 불안은 사라지는 것이 아니라 삶의 무늬로 남는 것임을, 그리고 그 흔들림마저 포용하는 공간이야말로 진정으로 ‘살아있는 장소’임을 이번 전시를 통해 전하고 있다.

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<steady>


Lee Sunhee


Reconstructing Unsettled Tranquility, and Its Shadows

Traces of Memory and the Space of Absence

For many, “home” functions as a universal signifier of rest. Yet for some, it is also the place where the sharpest anxieties and absences first take root. The home of childhood was, rather than a site of comfort, a space where memories of lack accumulated first. This exhibition begins from an existential attitude that seeks to coexist with anxiety as it is.

Subtle Fractures Flowing Through an Ideal Space

What the canvas reveals is not a reconstruction of the past, but an “ideal space.” However, this space is not a perfectly sealed fortress, completely cut off from the outside. Within seemingly tranquil interior and exterior scenes, there still lingers an unnameable discomfort and tension. This suggests that absence is not something to be eliminated, but something acknowledged as an essential foundation that constitutes the self. It translates an “imperfect tranquility”—one that embraces even anxiety as part of life—into painterly language.

A key formal element that sustains this narrative is the shadow. Rather than treating shadow as a mere byproduct of light, it is at times gathered into a unified form, and at other times fragmented and divided. By introducing multiple perspectives and unfamiliar variations of color, the inherent stability of the space is deliberately unsettled. These visual devices allow the viewer to sense a subtle tension within a familiar environment. As walls and floors that once seemed solid begin to waver through the modulation of shadows, we are finally confronted with the reality of a “space that coexists with absence.”

Though it originates from deeply personal memories, the peculiar coexistence of tension and rest realized on the canvas resonates with a universal sensibility. This exhibition conveys that anxiety does not disappear but remains as a pattern of life, and that a space which embraces even this instability is, in fact, a truly “living place.”

2026.05.11 -2026.05.17