<회화적 만화, 만화적 회화>


유혜경
최양희
장수지
이현
김다희
정은지
피츠
이수빈
루안 반자이



회화와 만화는 모두 평면 위에 이미지를 만든다. 그러나 이미지를 경험하게 하는 방식은 다르다. 회화가 하나의 화면에 시선을 머물게 하며 그 안에 시간을 축적한다면, 만화는 장면을 나누고 이어 붙이며 이미지와 이미지 사이로 시간을 이동시킨다. 그리고 만화의 이야기는 그려진 칸 안에서만 일어나지 않는다. 보이지 않는 ‘사이’를 독자가 연결하는 순간, 생략된 시간과 움직임이 발생하고 서사가 만들어진다. 한 화면에 머무는 시간과 장면 사이를 이동하는 시간, 그 서로 다른 감각이 만나고 교차하는 지점에서 이 전시는 시작된다.

〈회화적 만화, 만화적 회화〉는 이처럼 서로 다른 두 시각언어가 상대의 영역을 통과할 때 무엇이 달라지는지를 살펴본다. 여기서 ‘만화적’이라는 말은 특정한 그림체나 캐릭터만을 의미하지 않는다. 분절과 연결, 반복과 생략, 장면의 연속, 이미지 사이의 간극, 그리고 그 사이를 연결하는 상상에 가깝다. 반대로 ‘회화적’이라는 것 역시 한 장의 그림에 머물지 않는다. 색과 선, 물질과 표면, 신체의 흔적을 통해 이미지를 감각적 경험으로 되돌리고 하나의 장면을 지속시키는 방식이다.

피츠는 만화의 근본적인 문법인 ‘칸’에서 이 관계를 실험한다. 서로 다른 만화에서 가져온 비연속적인 이미지와 비워진 말풍선은 아무 관계가 없어 보이는 장면들 사이에서도 이야기가 만들어질 수 있는지를 묻는다. 이야기를 전달하기보다 이야기가 발생하는 조건 자체를 드러내는 셈이다. 김다희에게 이 ‘사이’는 실제 공간으로 확장된다. 구겨진 철망의 골은 칸의 경계가 되고, 다음 면을 보기 위해 관람자가 몸을 움직이면서 책장을 넘기던 손은 전시장을 걷는 발걸음으로 바뀐다. 밤 풍경의 불분명한 실루엣과 생략된 부분 역시 설명되지 않은 채 남아 관람자의 상상을 불러들인다.

그러한 이동은 유혜경의 작업에서 풍경을 읽는 방식으로 이어진다. 산수에 『산해경』의 존재와 스스로 만들어낸 상상의 생명체를 불러들이고, 평면의 풍경을 입방체의 여러 면으로 확장한다. 관람자가 작품 주위를 움직이는 동안 분절된 장면은 다시 연결되고, 각각의 면은 독립된 회화이면서 다음 장면으로 이어지는 열린 서사의 일부가 된다. 다감각의 기능을 무의식적으로 표현하는 이현에게 화면과 화면의 ‘사이’는 기억을 호출하는 공간이다. 흐린 날씨에 얽힌 어린 시절의 기억과 소리, 촉각, 공기의 감각은 먹구름과 둥근 풍경의 덩어리로 응축된다. 구름의 방향과 원근은 움직임과 속도를 만들고, 떨어져 있는 화면의 간격은 만화의 칸새처럼 작동하며 생략된 기억을 이어보게 한다.

그러나 이미지 사이를 연결하는 것은 시간과 공간만이 아니다. 만화적 상상은 개인의 기억과 감정을 다시 말하게 하는 통로가 되기도 한다. 장수지는 만화를 사랑했던 어린 시절의 기억을 소녀의 몸과 갑옷으로 불러온다. 왜곡된 신체와 단단한 갑옷에는 현실의 불안과 그로부터 자신을 지키려는 마음이 투영되고, 춤추는 몸과 반짝이는 빛은 영원하지 않은 삶 속에서 생의 순간을 붙잡으려는 이미지가 된다. 이수빈 역시 개인적 경험을 만화의 언어를 통해 다시 꺼내지만 그 방식은 다르다. 감추고 싶었던 기억을 허구의 인물과 사건에 넣고, 크게 외치는 형식인 ‘성게 말풍선’에 오히려 말하기 어려웠던 이야기를 담는다. 만화의 컷은 시아노타입과 천, 재봉, 도자를 거치며 프레임 밖으로 나오고, 기억을 재단하고 다시 기우는 행위는 만화를 물질적인 회화로 확장한다.

최양희는 풀밭으로 시선을 낮추어 작은 생명들의 세계를 상상한다. 곤충의 시점과 애니메이션 <벅스 라이프>에서 비롯된 상상은 아버지에게 받은 녹색 목도리의 기억과 만나고, 풀은 실이 되고 실은 목도리로 이어진다. 자연과 개인의 기억은 이미지가 다른 이미지로 변해가는 과정 속에서 하나의 이야기로 직조된다. 정은지는 이러한 이미지의 연속성을 시간의 문제로 가져간다. 만화의 프레임을 시간을 분절하면서 동시에 연결하는 작은 ‘시간 기계’로 바라보고, 애니메이션의 움직임을 프레임 단위로 해체해 하나의 화면에 중첩한다. 그 안에서 만화의 연속적인 시간은 회화의 축적된 시간으로 전환된다. 루안 반자이의 화면에서는 이러한 움직임이 즉흥적인 선과 반복되는 유기적 형상의 리듬으로 이어진다. 꽃과 신체를 연상시키는 이미지들은 겹치고 흩어지며 변주되고, 이미지들이 서로 만나고 이어지며 만들어내는 느슨한 흐름으로 남는다.

이렇게 서로 다른 작업들이 만나는 자리에서 만화는 회화가 되기 위해 자신의 문법을 버리지 않으며, 회화 역시 만화를 닮기 위해 이야기를 설명하지 않는다. 오히려 두 장르는 서로에게 질문을 건넨다. 한 장의 그림은 어디까지 이야기가 될 수 있는가. 서로 떨어진 이미지들은 무엇 때문에 하나의 장면으로 읽히는가. 보이지 않는 장면은 누가 완성하는가. 결국 〈회화적 만화, 만화적 회화〉가 주목하는 곳은 이미지 자체만이 아니라 이미지와 이미지 ‘사이’인지도 모른다. 칸과 칸 사이, 화면과 화면 사이, 기억과 현재 사이, 현실과 상상 사이. 그 비어 있는 간격을 건너며 관람자는 이미지를 바라보는 사람에서 이야기를 연결하는 사람으로 이동한다. 전시는 하나의 완성된 이야기를 건네기보다, 서로 다른 이미지들이 만나고 흩어지는 자리에서 각자의 이야기가 시작될 가능성을 열어둔다.

-봄 미술문화연구소 -

<Between Painting and Comics>


Yoo Hye-kyung
Choi Yang-hee
Jang Su-ji
Lee Hyun
Kim Da-hee
Jung Eun-ji
Pitz
Lee Su-bin
Luan Banzai



Painting and comics both create images on a flat surface. Yet the ways in which we experience those images are different. While painting invites the gaze to linger on a single surface, accumulating time within it, comics divide and connect scenes, allowing time to move between one image and another. The story of a comic does not take place only within the drawn panels. The moment readers connect the invisible “in-between,” omitted time and movement emerge, and a narrative is formed. This exhibition begins at the point where these two different temporal sensations—the time spent within a single image and the time spent moving between scenes—meet and intersect.

<Between Painting and Comics> examines what changes when these two distinct visual languages pass through each other’s territory. Here, the term “comic-like” does not refer simply to a particular drawing style or to characters. Rather, it is closer to the processes of fragmentation and connection, repetition and omission, the continuity of scenes, the gaps between images, and the imagination that connects them. Likewise, “painterly” does not mean remaining within a single picture. It refers to a way of returning the image to a sensory experience through color and line, material and surface, and traces of the body, allowing a single scene to persist.

Pitz experiments with this relationship through the “panel,” a fundamental grammar of comics. Discontinuous images taken from different comics and emptied speech bubbles ask whether stories can emerge even between scenes that appear to have no relation to one another. Rather than conveying a story, the work reveals the very conditions through which a story comes into being. For Kim Da-hee, this “in-between” expands into physical space. The gaps in crumpled wire mesh become the boundaries of panels, and as viewers move their bodies to see the next surface, the hand that once turned the pages of a book is transformed into footsteps moving through the exhibition space. The indistinct silhouettes and omitted elements of nighttime landscapes are likewise left unexplained, inviting the viewer’s imagination.

This movement continues in Yoo Hye-kyung’s work through the way landscapes are read. She brings the beings of the <em>Shan Hai Jing</em> and imaginary creatures of her own making into traditional landscape painting, expanding the flat landscape across multiple faces of a cube. As viewers move around the work, fragmented scenes are reconnected, and each surface becomes an independent painting while also forming part of an open-ended narrative that leads into the next scene. For Lee Hyun, who unconsciously expresses the functions of the senses, the “in-between” between one screen and another becomes a space that summons memory. Childhood memories associated with overcast weather, along with sounds, tactile sensations, and the feeling of air, are condensed into masses of dark clouds and rounded landscapes. The direction and perspective of the clouds create movement and speed, while the gaps between separated images function like the gutters between comic panels, encouraging viewers to connect fragments of omitted memories.

Yet what connects images is not only time and space. Comic-like imagination can also become a passage through which personal memories and emotions are given voice again. Jang Su-ji summons memories of loving comics as a child through the body of a girl and armor. The distorted body and solid armor reflect the anxieties of reality and the desire to protect oneself from them, while the dancing body and shimmering light become images of an attempt to hold onto fleeting moments of life within a life that does not last forever. Lee Su-bin, too, brings personal experiences back through the language of comics, but in a different way. She places memories she once wanted to conceal into fictional characters and events, and fills “sea urchin speech bubbles,” a form that appears to shout loudly, with stories that were difficult to speak aloud. Comic panels move beyond the frame through cyanotype, fabric, sewing, and ceramics, while the acts of cutting apart and stitching memories back together expand comics into material painting.

Choi Yang-hee lowers her gaze toward the grass, imagining a world inhabited by small lives. An insect’s point of view and the imagination inspired by the animated film <em>A Bug’s Life</em> encounter the memory of a green scarf received from her father. Grass becomes thread, and thread becomes a scarf. Nature and personal memory are woven into a single story through the process by which one image transforms into another. Jung Eun-ji brings this continuity of images into the realm of time. She views the comic frame as a small “time machine” that simultaneously fragments and connects time, and deconstructs the movement of animation frame by frame, superimposing it onto a single image. Within this process, the continuous time of comics is transformed into the accumulated time of painting. In the work of Luan Banzai, this movement develops into the rhythm of spontaneous lines and recurring organic forms. Images reminiscent of flowers and bodies overlap, disperse, and transform, remaining as a loose flow created through their encounters and connections.

At the point where these different works meet, comics do not abandon their own grammar in order to become painting, nor does painting explain stories in order to resemble comics. Instead, the two genres pose questions to one another. How far can a single image become a story? What makes separate images readable as a single scene? Who completes the unseen scene? Ultimately, perhaps <Between Painting and Comics> is concerned not only with the images themselves, but with the “in-between” that exists between images. Between panel and panel, between screen and screen, between memory and the present, between reality and imagination. As viewers cross these empty intervals, they move from being people who look at images to becoming people who connect stories. Rather than presenting a single completed narrative, the exhibition leaves open the possibility that each viewer’s own story may begin where different images meet and disperse.

— Bom Art & Culture Research Institute —